Как да започнем

Как да рисувам

Как да рисувам

Научете се да рисувате и никога няма да сте еднакви

Големите художници знаят, че никога не могат да си позволят да оставят след себе си своите техники за рисуване, ако се надяват да продължат да растат и усъвършенстват работата си. Това важи за илюстратори, архитекти, художници, скулптори, дизайнери, дори художници за татуировки! Рисуването е гръбнакът на изкуството, което позволява на художниците не само да виждат, но и рекорд това, което виждат в линия и засенчване, контур и жест.

Най-вълнуващото да се научиш да рисуваш е, че има толкова много начини за преследване. Художник може да се присъедини към програма за рисуване, която е специално пригодена за рисуване от живота, като прави бързи проучвания и по-дълги сесии, за да улови движението и жеста на жив модел. Или човек може да преследва рисуването като лично проучване, да вземе хартия и химикалка (или молив) и да излезе в света, просто да скицира. Може да ви позволи да научите как да рисувате с различни носители - графит или молив, въглен, пастел, химикалка и мастило и други.

Но ако художник се надява да овладее как да рисува реалистични предмети и фигури всеки път, когато постави писалка на хартия, има техники за рисуване, върху които човек трябва да се съсредоточи. Първо идва наблюдението и координацията между ръцете и очите, така че да тренираме окото да интерпретира това, което виждаме по начини, които имат смисъл, когато рисуваме, без значение какъв е предметът ни. Тогава художник може да започне да се учи как да рисува фигури и техните действия и пози. Следват часовете по рисуване по живот, както и чертането в скица с четки книги. Това е животът на рисуващите художници - връщайки се и използвайки рисуването ежедневно. Това е ангажимент, но наградите се учат как да нарисувате всичко!

Как да Рисувам страхотна живопис

„Една от най-големите причини художниците да изпадат в неприятности е, защото техните снимки нямат солидна основа за точни и изразителни рисунки“, казва нюйоркският художник Джон ДеМартин.

„Рисуването е неразделна част от процеса на създаване на картина“, казва ДеМартин. „Той предоставя възможност за изследване на вариациите на темата. Един художник може да се вълнува от идея и да се втурне с главата си в картината без адекватна подготовка, за да открие - често много късно -, че идеята не би могла да бъде поддържана през целия процес. Като отделя време за изпълнение на подготвителни рисунки, художник може внимателно да обмисли и дестилира идеите и по този начин да вземе по-добри творчески решения. "

Най-добрата част от работилниците за рисуване на DeMartin е, че те дават на учениците набор от подходи към фигурално рисуване, всеки от които може да помогне за конкретни аспекти на създаването на картини. Например, той има ученици да започват всеки ден с бързи рисунки с жестове, които подчертават спонтанните, линейни аспекти на запис на активна поза в рисунка на линия.

„Кратките пози от една до 45 минути са по-скоро свързани с линията и жеста, а дългите (един час или повече) са с форма и обем“, обяснява той. „Поради ограничения във времето, всяко широко моделиране със стойности е трудно да се направи, така че колкото повече начини мога да направя силен обем на линията, толкова по-добре.“ Когато художниците прекарват часове или дни в работа от една и съща поза, техните рисунки стават анализи на стойности, свързани с форми, които се превръщат от светлината в сянката.

„И двата подхода за рисуване на фигурата могат да бъдат полезни за художниците, но могат да доведат и до техните собствени проблеми“, казва ДеМартин. „Художниците, които правят само кратки рисунки с жестове, често създават стилизирани изображения, които са формулирани, а не честни отговори на отделни модели. Обратно, художниците, които правят само рисунки, които отнемат месеци, завършват често с механично точни наблюдения, на които им липсва емоционално съдържание. Комбинирайки двата подхода, художникът има по-голям шанс да може да направи както бързи оценки на начина, по който фигурите се движат в пространството, така и точни наблюдения, които предизвикват същността на човека, който е нарисуван. “

DeMartin препоръчва на художниците да използват различни материали за рисуване, но една и съща стойка, докато правят тези два вида рисунки. „Рисуването трябва да става от изправено положение с изпъната ръка, така че движението да идва от рамото, а не само от китката“, посочва той. „Художниците трябва да могат да виждат както рисуващата повърхност, така и модела в своето зрително поле.“

DeMartin обяснява, че няма само един препоръчителен подход за рисуване или рисуване. Най-важното, което художниците трябва да запомнят е, че някаква част от рисунката ще помогне при избора на елементите на картината, установяването на композицията от линии и стойности и разрешаването на потенциални проблеми.

Източник: Адаптирано от статия на Стив Дохърти

Техники на рисуване: Линия и сянка

Ето няколко съвета от художника и инструктора Джон ДеМартин за това, когато се научите да рисувате с линия и контур или сянка и тон.

линия: Основната цел при правенето на бързи скици е заснемане на ритмични действия. Намерете действието преди контурите, защото без това усещане за движение рисунката ще загуби своя ритмичен поток. Ако времето позволява, постепенно въведете структурата, като концептуализирате ориентацията на главата, ребрата и таза в пространството, като използвате вертикални и хоризонтални средни линии. Фокусът е по-скоро върху скелета на тялото, отколкото върху мускулите.

сянка: Сенките насочват художника при сравняването на другите ценности, които са на светлина, така че поставете тези на първо място. Създайте една плоска стойност за светлините (бялото на хартията) и една плоска стойност за сенките с излюпени линии, които правят светлинен тон. Стойността не е проблем, а само графичната интерпретация на модела на сенките. Важно е да разпознаем кои форми са в сянка и кои не, защото художниците често грешат тъмните стойности в светлината за сенките.

линия: Линиите, описващи характеристиките, могат да преминават над частите на тялото, тъй като те подчертават потока на формите и връзката на една форма с друга. Ако например една ръка се пресича над тялото, художникът трябва първо да начертае непрекъснатите линии на тялото и след това да начертае ръката над този участък от тялото. Въпросът е да уловите действието и контура и да оставите тънкостите да дойдат по-късно.

сянка: Да се ​​научиш да рисуваш или развиваш сенките означава да работиш по добавителен начин, да изграждаш слоеве от дървени въглища. Първо разтривайте равномерна, плоска маса от сенки и след това използвайте пън с въглен, за да разтопите сенките в хартията. Това служи за приятно съпоставяне на стойностите в светлината, които са извлечени по-спонтанно с излюпване. В по-дълги пози триизмерната илюзия на рисунката се изразява главно чрез стойности на светло и тъмно. Самолетите във формата, които се отклоняват от източника на светлина, потъмняват, когато се приближават до линията на сенките. Това са ценностните градации на формата, които предават илюзията за закръгленост. Колкото по-закръглена е формата, толкова повече се разпространяват градациите.

Източник: Адаптирано от статия на Стив Дохърти за техниките на рисуване на Джон ДеМартин.

Научете се да рисувате ръбове

Контурните линии са полезна лъжа, която чертожникът използва, за да посочи ръба на формуляр в чертеж на линии. В действителност не виждаме линия, маркираща ръба на лицето, ние просто виждаме къде формата се извива от гледката. Начертаването на плътна линия на ръба на елементите предполага форми, а не форми - чертожникът трябва да се погрижи да подскаже останалите равнини, които не се виждат от гледната точка на зрителя. Плюс това просто концентрирането върху контурните линии може да разсее художника от важната задача да изобрази жеста на модела, който обикновено се излъчва от интериора на фигура. По тази и по други практически причини обработката на ръбовете на художника е от голямо значение, ако рисунката трябва да бъде убедителна.

Кривите са трудно прецизно изобразени. Много инструктори за рисуване препоръчват да се използват само прави линии за ръбовете, като ги омекотяват в криви, където е необходимо по-късно. Ако смятате, че това е начинаеща патерица, помислете как Рубенс, майстор чертожник, използва този метод.

Краищата вършат голяма част от работата в предполагаема дълбочина. Дебела линия носи формата напред, а лека, тънка линия може да показва равнина, която се отдръпва на заден план. Но ръбовете не са само за линии. В повече тонални парчета, по-твърдият ръб и подчертаният контраст между равнините създават форма, по-близка до зрителя, отколкото една с по-мек, по-лек вид. Това е от съществено значение за хвърляните сенки - сянката е най-остра в точката, в която докосва обекта, която я хвърля, и се разпространява, когато сянката се удължава от обекта. В своята рисунка, Мъже, ходещи в поле, Seurat накара по-близката фигура да се придвижи напред в равнината на картината, като увеличи контраста между по-тъмните и по-леките равнини и като използва по-твърди ръбове на тази фигура.

В книгата си Овладяване на рисуване на човешката фигура от живота, паметта, въображението, Джак Фарагасо посочва, че винаги трябва да се знае, че най-важните ръбове са тези, които показват светли и тъмни шарки. Той използва за пример дебелите разрошени яки, които често се появяват на картините на Рембранд - важните ръбове в такива яки не са отделните обрати и гънки, а по-скоро ръбът на сянката, докато яката се движи в светлината. Ефективното изобразяване на тази линия ще направи повече, за да направи ръфа убедителен от сто детайлни линии.

Къде да позиционирате рисунката си на страницата

Винаги можете да поставите темата на линейния си чертеж или контура на чертежа на контура в средата на страницата. Той прави силно изявление и в някои случаи най-ясно изразява как искате зрителят да изживее парчето. Но поставянето на темата другаде в композицията може да накара фона да работи за вас и да създаде интригуващо напрежение, да предложи разказ и да насочи окото към фокусната точка по по-фин начин.

Френският термин mise en page (буквално преведено „разположение на страницата“) понякога се използва във връзка с тази концепция, но идеята има своите корени в много по-ранна история - счита се, че художниците разглеждат този аспект на композицията, произхождащ от Ренесанса. До епохата на Уотто значението му в подхода на един художник е твърдо установено и днес е почти немислимо, че работещият художник ще пренебрегва внимателното си боравене.

Нашата естествена тенденция може да бъде да поставим темата в центъра на композицията, като й придадем вниманието, което заслужава в средата на нашия „етап“, но това не отразява точно как обикновено виждаме света. Освен ако не сме изключително близки до темата си, има много информация, която достига до нас в нашата периферна визия. Ние преживяваме всичко в контекста и този контекст се отразява на начина, по който интерпретираме фокусната точка. Като чекмеджета трябва да се борим с това, което се чувства автоматично и наистина да наблюдаваме цялата сцена, за да опишем точно таблицата.

Периклис Пагратис, председател на фундаменталните проучвания в колежа по изкуство и дизайн в Савана, учи учениците си да рисуват основи и по-нататък, включително идеята, че когато създават композиция, те трябва да мислят за темата като глава на Медуза - не го гледайте директно или ще се обърнете към камък (или рисунката ви ще е поне). Отрицателното пространство около темата трябва да играе съществена роля във вашата композиция. Ще има достатъчно време, за да погледне отблизо самия обект, когато дойде време за неговото изобразяване.

Прегледайте всяка художествена книга и със сигурност ще видите прекрасни примери за завладяваща мис страница. Разгледайте всяка картина или рисунка, в която фокусната точка е насочена встрани от центъра на композицията, след което си представете колко по-различно би действало парчето, ако темата беше мъртъв център на страницата. Лесно ще видите как най-добрите изпълнители карат миша на страница да работи ефективно за тях.

Източник: Адаптирано от статия на Боб Бар


Гледай видеото: Рисунка на къща с ограда и дърво. Рисунки за деца. (Юли 2021).