Рисуване

Всичко за натюрморта

Всичко за натюрморта

Живопис на натюрморт

Жанрът на живопис на натюрморт е толкова разнообразен, колкото и дългата му история. От времената на египтяните, когато картини с храна и ценности са били изобразявани на стените на гробниците, до мозайки на пода и стенописи от Помпей до произведения на изкуството от Възраждането до съвременната живопис на натюрморта от днес, жанрът винаги е бил този, към който художниците се обръщат отново и отново.

Предметите, към които рисуват натюрмортите, също са толкова разнообразни, от предметите от природния свят до тези, изработени от човешки ръце. Чрез тях композициите от натюрморт артикулират идеи за лукс и излишък, религиозна символика, лични и алегорични проучвания и универсални човешки размисли за живота и смъртта.

Практиката на изобразителното изкуство на натюрморт е тази, на която художниците са се ангажирали през вековете, защото всички основни елементи на изкуството могат да бъдат изследвани, включително цвят, форма, композиция и светлина. Художниците могат да потърсят този уникален жанр за отговорите, които художниците завинаги се опитват да намерят.

Вземете безплатната си електронна книга с техники за рисуване на натюрморт! БЕЗПЛАТНО и изключително за абонатите на Daily Daily eNewsletter. Въведете имейла си в полето по-долу, за да получите безплатната си електронна книга плюс eNewsletters за съвети за натюрморти и още много неща!

[fw-capture-inline кампания = ”RCLP-потвърждение-живопис-живопис” благодарение = “Благодаря за изтеглянето!” интерес = „Art” предложение = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Демографска картина на натюрморт

Исмаел Чеко използва богат цвят, за да създаде екзотично и интензивно изживяване на света. Тук представяме ексклузивна демонстрация на натюрморт в живопис като пример за неговата техника с маслена живопис.

Чеко материали

палитра

Маслени бои от различни производители, включително Holbein, Winsor Newton и Gamblin

Четки

Четки за четка и соболи от различни производители

поддържа

Най-често грундирано бельо от олово и от време на време панел, изработен от MDF дъска, грундирана с акрилен gesso от Liquitex

среда

Смес от щанд масло и терпентин на венците

лак

Като краен лак, синтетичен лак Rembrandt от Talens

Етап 1
Художникът започва с рисуване с измиване, направено от ултрамариново синьо, изгоряла сиена и люспесто бяло. Сенките се измиват, за да се създаде обикновена грисайева рендерия на обекта, натрупан в най-прости и ясни форми.
Стъпка 2
Използвайки четка за четина, художникът прилага цвят в широки щрихи, за да установи основните връзки в композицията.
Стъпка 3
Работейки бавно и обръщайки голямо внимание на цветното впечатление във всяка точка на изображението, художникът прави прости, ясни изявления, смесващи и поставящи един цвят наведнъж. Художникът е склонен да преувеличи наситеността на цвета леко с разбирането, че ще може да се върне по-късно и да добави сиво, ако е необходимо. Въпреки че художникът прави някакво смесване и скачане с четката, той внимава да не преумори изображението.
Стъпка 4
В някои случаи художникът ще се преоблече в сабъл четка към края на картината, за да постигне по-деликатна и по-силно завършена работа.Завършената живопис: Демонстрация на натюрморт2003 г., 10 x 15½. Колекция художника.

Настройване на стандарт за натюрморт на изкуството

Холандската живопис на натюрморт постави стандарта за виртуозност извън този свят през 17-тетата век и никога няма да преодолея необичайната комбинация от предмети, които художниците избраха да изобразяват: храна от всякакъв вид, полирана сребърна посуда и блестящо стъкло, бродирани и силно обработени покривки и тонове и тонове цветя.

Това, което понякога забравям, беше колко символични бяха всички тези предмети на публиката, която имаше повод да ги разгледа през всички онези години. И също така е интересно да се отбележи, че художниците често целенасочено избират да изобразяват предмети, които може да са предизвикателство да рисуват като начин да покажат своите умения за рисуване.

Цялата тази символика и желание да се покажат доведоха до много картини, които изглеждат отгоре и малко нереално. Вземете например флоралната натюрморт. Боядисването на цветя беше популярен акцент през златния век на холандската живопис. Символично е, че художниците и зрителите се интересуват от естеството на съществуването на едно цвете - от прясно отрязано и цъфтящо до увяхване и умиране - поради подразбиращия се „морален” урок зад творбата, а именно, че животът е мимолетен и смърт, сигурно.

Но свежите цветя в една картина също бяха знак за върховен лукс. През 17тата век, притежаването на букет цветя на практика беше нечувано дори в най-заможните домакинства. Всъщност в повечето холандски домове цветята изобщо не са били показвани по начина, по който сме свикнали. Вместо това цветчетата се показваха един по един в малки вази или държачи за лалета, създадени специално за поместване на сравнително малко цветя.

Вземете безплатната си електронна книга с натюрморт техники за рисуване! БЕЗПЛАТНО и изключително за абонатите на Daily Daily eNewsletter. Въведете имейла си в полето по-долу, за да получите безплатната си електронна книга плюс eNewsletters за съвети за натюрморти и още много неща!

[fw-capture-inline кампания = ”RCLP-потвърждение-живопис-живопис” благодарение = “Благодаря за изтеглянето!” интерес = „Art” предложение = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Създавайки този вид показна флорална картина, изобразяваща невероятни букети, повечето зрители не биха могли да се надяват действително да видят лично или да имат в домовете си, художниците постигат две неща: Едно, посочвайки изкуствеността на такива дисплеи като напомняне, че животът не е всичко за лукса и поставянето на магазин в такива неща е загуба. Но те също подриват това много послание - като показват такива красиви букети на първо място, те изкушават зрителите да купят картината, по същество внушавайки идеята, че не можеш да имаш такива луксове в реалния живот, но тази картина ще им даде за вас и цветята в тази картина никога няма да умрат.

За нас да платим напред на традицията на холандската живопис и да бъдем част от този завладяващ и завладяващ жанр stii life означава наистина да разберем мотивацията за изкуството и техническото изпълнение, което беше необходимо, за да стигнем до тези невероятни финални творби и да работим за постигане на картината фондация, която трябва да имаме собствени художествени златни векове.

Фокусни точки, когато рисувате натюрморти

Решението къде да поставите елементите в картината може да бъде трудно, но решенията са от решаващо значение за създаването на успешен натюрморт. Когато композицията е направена добре, може да остане незабелязана; обаче лошо съставеното парче моментално удря погледа на зрителя като неудобно. Целта на композицията на натюрморт е да насочи погледа на зрителя чрез картина и да ги насочи към онова, което художникът смята за важно. Въпреки че няма единен правилен начин за това, има конкретни устройства, които може да се използва, за да привлече погледа на зрителя до интересна точка, както и да създаде илюзията за обекти, съществуващи в осезаемо пространство.

Много начинаещи художници са склонни да отделят енергията си точно за рисуване и рисуване на предмети и им е трудно да създадат силна композиция. „Лесно е да бъдеш затрупан от всички възможности“, казва художникът-инструктор Джеймс Сулковски, който преподава пленерни работилници, за да помогне на учениците да преодолеят страха от вземане на решения. Някои художници-инструктори предлагат да се използва визьор, който много художници използват, когато са изправени пред голяма сцена. Човек може да закупи визьор във всеки магазин за художествени доставки или да направи опростен от картон. Независимо от материала, той служи на една и съща цел: визьорът позволява на художника да изолира ключовите елементи на една сцена, както и да прегледа множество композиции, преди да се ангажира с една на хартия.

Когато сте изправени пред голяма сцена, е полезно да зададете няколко въпроса. Защо искам да рисувам тази сцена? Какво първоначално ме привлече към него? Какво съдържание е необходимо, за да привлече зрителя и да ги накара да усетят това, което чувствам? С отговора на тези въпроси става ясно, че дадена сцена не е поставена в камък. Художник може да промени сцената, за да отговаря на емоциите или посланието, което той или тя се стреми да сподели с зрителя. Портрет на натюрморт е предназначен да разпали въображението и да възбуди сетивата; това трябва да бъде изображение, което моли да бъде нарисувано или нарисувано. Ако определена област или изображение не е привлекателна, сменете местоположенията или изберете алтернативни обекти. Или човек би могъл да изреже сцената плътно и да се съсредоточи върху минутни детайли, които често остават незабелязани на голяма сцена.

Сулковски препоръчва на учениците да определят фокуса, преди да прилагат четката върху платното. „Независимо от обстоятелствата, художникът трябва да идентифицира фокуса на своята картина и след това да структурира процеса на рисуване, така че зрителят веднага да разбере центъра на интереса. Когато рисувате на пленер, е много важно да се има предвид този фокус, за да не се губи време и енергия за изработване на области от платното, които са от второстепенно значение. " Същото важи и при рисуването на натюрморт.

Художникът-инструктор от Нешвил Гейл Левей има своите ученици от работилницата да прекарват часове в подреждане на елементи, за да създадат най-добрата композиция. Тя съветва първоначално да съберат повече предмети, отколкото смятат, че ще им трябват в натюрмортните си произведения на изкуството, а след това избират един като фокусна точка. „Поставете първо този обект и след това поставете опорните части около него“, предлага тя. Когато рисува натюрморт, Levée започва с фокусната точка и прави измервания върху платното, пропорционални на центъра на интерес.

В нейната живопис Размисли в злато, Levée използва правилото на третината, за да привлече погледа на зрителя към вазата и плодовете (вижте демонстрация на парчето). Това е едно от няколкото устройства, които могат да привлекат погледа на зрителя до център на интерес. Това правило, използвано в живописта и фотографията, има за цел да даде по-приятна естетическа композиция. Той съветва художниците да разделят платно на три секции, хоризонтално и вертикално, и да поставят центъра на интерес в точка на пресичане или в горната или долната трета на рамката. По този начин фокусната точка се изважда от „мъртвия център“ на платното и погледът на зрителя се води по цялото пространство. След като се установи фокусна точка, определянето на емоциите или посланието, което предизвиква, ще помогне на човек да реши кой от гореспоменатите инструменти най-ефективно ще разкаже ясна и евокативна визуална история.

Истинска тишина в натюрморт

Сара Силтала главно рисува натюрморти и пейзажи, въпреки че от време на време рисува фигури с въглен, за да усъвършенства своите умения за рисуване. "Вдъхновявам се от природата и нейните обилни дарове, независимо дали е плод, цвете, облак, дърво или птица", казва тя. „Виждането на красота навсякъде ме вдъхновява да рисувам.“ Това не е изненадващо, като се има предвид, че художникът израства заобиколен от живописния пейзаж на Ню Мексико, който от десетилетия привлича пленерни художници от цял ​​свят. Понякога вдъхновението я удря мигновено, а друг път се налага да румне по дадена тема, преди да бъде преместена, за да я нарисува.

Силтала често се обръща към своята скица, в която пази различни рисунки, идеи и изображения, които я вдъхновяват, докато се подготвя да рисува. Тя отделя значително време за определяне на композицията на картините си на натюрморт, като се стреми да създаде усещане за спокойствие и спокойствие в работата си. „Не ме привличат заети композиции“, казва тя. „Вместо това се концентрирам върху една или две основни идеи. Когато поставям натюрмортите си, пренареждам и обикновено изтривам предмети, така че да съм сигурен, че улавям оптималната светлина и сянка в крайната картина. " Когато е доволна от подредбата си на натюрморт, тя прави няколко снимки от последната си настройка за справка в студиото. Тя често работи върху повече от една картина наведнъж, което прави невъзможно всеки натюрморт да бъде създаден по време на процеса на рисуване.

След като изрязва и оразмерява дървения си панел, тя нанася gesso и след това скицира композицията си с дървени въглища. Тя започва да рисува с леки измивания, бавно изгражда цвят. Ако трябваше да гледате демонстрация на натюрморт от Силтала, щеше да я видите как работи в стила на Старите майстори, изграждайки слой след слой прозрачни глазури. Тя цитира Корот, Рембранд и Иннес като свои вдъхновения. Независимо от размера на повърхността й, парчетата на Siltala отнемат седмици, тъй като всеки слой трябва да изсъхне напълно, преди да може да се нанесе следващият, въпреки че използва алкидна среда, за да ускори процеса на сушене.

„Често си играя с всеки слой, докато го слагам, притискам гъби, смачкана тъкан или пластмасова обвивка в тях и повдигам част от мократа глазура, за да разкрия предишния слой“, отбелязва художникът. „След като играете с няколко слоя по този начин, се постига импресионистично цветово поле, през което се показват петънца от отделни цветни слоеве.“ Силтала счита този етап на изграждане на слоя за медитативен, защото изисква тя да работи спокойно и бавно, разчитайки на търпение, тъй като всеки слой боя изсъхва. „Това е много хубаво равновесие към забързания ми начин на живот да отгледам две млади момчета“, казва тя. „Животът се движи много бързо и вярвам, че ще отделя време, за да нахраня духа. Винаги съм развълнуван, когато покровителите разпознават усещане за мир в картините си, защото улавям това, което наистина се стремя да изразя в работата си: тих момент на мир, красота и простота в един често хаотичен свят. "


Гледай видеото: Секреты композиции. Ошибки начинающих.2 (Юли 2021).