Животът на художника

Кратка беседа с Франк Ебер

Кратка беседа с Франк Ебер

Вторият в ежедневната ексклузивна поредица на изпълнител:
Майстори на американската акварел - Франк Ебер

Как се интересувахте от акварел?
Наистина не се интересувах от нея преди около 15 години, когато за първи път видях картина на Пърси Грей. Винаги съм свързвал акварел с картини на кученца в кошница, винетки с много бяла хартия или нещо, което виждате на табела на строителна площадка. Не можех да повярвам, че някой може да рисува така в акварел. Картина, като истинско произведение на изкуството! Да, аз бях много част от тълпата, която гледа на акварела като на „средата за скициране“.

Основно се образовах в средата, изучавайки британската акварелна сцена от 19 век, калифорнийските художници и „Барбизоните в Калифорния“ от началото на 20 век. Бях прикован към естествената сила на средата, за да предам настроение, атмосфера и меко тонално усещане. Бях обучен на масло и гваш; от гваш беше малка крачка към акварелната живопис.

Кои бяха художниците на акварел, които ви вдъхновиха най-много?
Моите герои са Пърси Грей и Марион Вачтел от движението „Калифорнийска сцена“ и Едуард Харисън Комптън. По-късно бях вдъхновен и от Андрю Уайет. Трябва да спомена и Джон Сингър Сарджент, разбира се!

Трябва да кажа, че винаги съм бил по-вдъхновен от маслени художници, като Корот, Комптън, Зорн, Сарджент или Карл фон Мар. Имам това очарование да рисувам акварел точно като живописец с маслени бои и всъщност прилагах много техники за рисуване с маслени бои към моята акварелна работа. Не е нищо ново, художници от британското акварелно движение също го направиха.

Какво търсите - кое ви привлича най-много - когато търсите потенциални теми?
Почти всичко може да се превърне в картина. Харесвам буколични сцени, но правя и много портрети и градски сцени. Темите на натюрморта също могат да бъдат чудесни! Става въпрос най-вече за светли и тъмни шарки, не толкова за това какво представлява! Един художник веднъж каза: „Главата е нещо, което избирате, за да падне светлината.“ Това важи и за пейзажната живопис. Хамбар може да изглежда грандиозно в правилната светлина и супер скучно в един скучен ден! Търся и елементи за дизайн. Когато рисувам човешката фигура, ме привличат емоцията, изражението и жестовете.

Казахте, че рисуването на място - на пленер - е най-големият учител.
Можете ли да усъвършенствате?
Пленерното рисуване ви учи да работите под налягане и да произвеждате нещо. Всичко. Разсейванията като смяна на светлина, мухи, вятър, трафик и досадни зрители ще изострят способността ви да се фокусирате.

Боядисването на открито ми помогна да разбера по-добре цвета и стойността. В природата има много фини промени в цвета и стойността, които камерата трудно може да вземе. Когато рисувате на място, можете да видите, ухаете, усетите и докоснете темата си. Част от тази енергия отива в работата.

Мислите ли, че има някои ограничения за пленерното рисуване?
Определено. Въпреки че това, което казах преди, е вярно, отвън е много трудно да нарисувате по-обмислени, сложни (не непременно по-подробни) или по-големи картини. Промяната на леките ситуации ви принуждава да вземате бързи решения, които могат да бъдат добри, но не винаги са по-добри. По-тихият, необезпокояван подход може да даде по-елегантна и сложна картина. Освен това, екстремните условия на светлина, които само последните минути могат да се правят само в студиото от фотографски материали, т.е. сцена минути преди залез слънце и т.н.

Какво искаш да кажеш, като гледаш сцена с очите на художник?
Художниците виждат какво правят предметите и фигурите, така взаимодействат по отношение на светлина, стойност, цвят и дизайн. Художниците не се интересуват толкова много какво е, те виждат само какъв ефект има светлината върху него. Нехудожниците виждат обекти за това, което са, т.е. кола, дърво или сграда. Те често дори не виждат играта на светлина и сянка. Това се отнася и до третия въпрос по въпроса.

Мислите ли, че художник може да промени - или редактира - сцена твърде много, когато рисува на място?
Лесно е да се направи Избърках много картини по този начин. Мисля, че ключът е да се разпознае за какво е сцената, на първо място. Ако го разберете, процесът на редактиране не е толкова труден. Тъй като най-вече имаме работа с твърде много информация, процесът на редактиране трябва да е бърз и решителен и да подкрепя визията и историята, която разказвате, но не и да отнема от същността на това, което е нарисувано.

Промяната на сцена - а не просто редактирането - е много по-трудна и нещата могат бързо да се объркат. Много е трудно да се направи различна светлина. Веднъж исках да рисувам статуята на Албрехт Дюрер в Германия, след като я видях в прекрасна светлина. В деня на рисуването, разбира се, нямаше слънчева светлина и не бях снимал. Опитах се да го направя от паметта, но се оказа изглежда погрешно, някак фалшиво. Не знам какво беше. Така че драстичната промяна на сцена е трудна работа и аз не я препоръчвам. Оформянето на сянка не е толкова трудно или промяната на някои цветове понякога може да подобри сцена, но определено се държа далеч от големите промени.

Винаги сте подчертавали важността на ценностите и ценностните модели. Дали те са ключовете - отправни точки - за добра картина?
Предполагам, че бихте могли да ги наречете отправни точки. Ключът към добрата картина е комбинация от много различни неща. Забелязването на ценностния модел със сигурност е важна първа стъпка. Първо трябва да видим нещо, което разклаща артистичната ни душа. За да отговоря по различен начин на вашия въпрос, мисля, че най-важното за една добра картина е вдъхновението. Трябва да се вдъхновяваме. Това е голяма, голяма работа! Без вдъхновение ние започваме да се движим през движенията, рисувайки „същото старо, същото старо“ и изкуството започва да изглежда формулно и скучно. Художественото плато би било, когато художник обикаля света и произвежда една и съща изглеждаща картина, независимо къде е рисувана!

Правите ли проучвания с малка стойност или предварителни цветове?
Правя ценни проучвания само ако има нещо за сцена, която не разбирам напълно или знам как да разреша. Точно тогава изследването на стойността наистина може да помогне. Ако тепърва започвате да рисувате, горещо ги препоръчвам и ние също ги правим в моите работилници. Не правя предварителни цветни грапави, по-скоро просто рисувам малка картина.

Говорейки за проучвания на стойността: чрез преподаването установих, че има много студенти, които могат да извадят истинско хубаво изследване на стойност в черно и бяло и напълно не успяват да направят цветна версия веднага след това. Това ми каза, че ценностните изследвания могат да направят само толкова много и аз започнах съответно да променя преподаването си.

Много от вашите картини съдържат сложни теми като сгради и коли. Колко предварителна рисунка правите?
Предварителната рисунка е много част от моя процес на рисуване. Рисуването е душата на рисуването, всичко зависи от това. Много ми харесва частта за рисуване и някои дни за мен е преценка как ще протече картината. Това звучи странно, но наистина е вярно: Ако по време на рисуване съм твърд и ориентировъчен, най-вероятно ще продължа към картината! Ако първо рисунката ми е мудна и несигурна, аз наистина се опитвам да се отпусна, разклащам ръка и изпразвам глава, за да се успокоя. След като имам хубава работа с молив, знам, че ще рисувам добре. Всичко е свързано. Както се казва: „Всичко е в главата ви.“

Това ми напомня за друго нещастно нещо, което виждам много в учениците: те всъщност не вярват, че могат да рисуват добре. Те се контролират от страх, който не е нищо друго освен его, нали? Страхувате се, че не сте достатъчно добри и т.н., и т.н. Истината е, че не можете да се изразявате артистично, ако се страхувате.

Кои са най-големите недостатъци на работата от снимки?
Непреживяването на сцената в реалния живот носи някои проблеми с това. Моята цел в пленерната живопис е винаги да улавям настроението на сцената, доколкото е възможно. Трудно е да усетиш настроението на снимка, без да си бил на мястото. Ако сами правите снимките, докато сте на място, това е добре и ще бъде от голяма помощ при рисуването.

Други недостатъци са, че камерата изкривява изображението, което аз наричам ефект на обектива „рибешко око“. Това е особено сложно в градските сцени. Ако стоите на ъгъл, гледайки надолу, опитайте да държите камерата си на нивото на очите и сравнете изображението на екрана с това, което виждат очите ви. Камерата поставя твърде много в нея, дори и нещата, които са на десет фута вдясно. Винаги се уверявам да го увелича и да го приближа до неговия „реален размер“, така да се каже.

Друго лошо нещо се случва, когато се опитвате да правите снимки на високи сгради. Не може да се направи! Накрая изглеждат като пикантни триъгълници на снимката!

Имате ли някои цветове, на които разчитате време след време, и други, които се опитвате да избегнете?
Сигурен! Винаги използвам всички цветове в природата! Сини, червени и жълти ... о, и земни тонове! Тук се шегувам само наполовина!

Повечето от по-големите ми измивания са смесица от праймери. Аз използвам удобни цветове като кобалт тюркоаз (виридианът в маслени пигменти) или ултрамарин виолетово - основно вторични цветове и смеси. За праймериса използвам кобалтово синьо, кармин и верона златна охра или ултрамарин синьо, магента и изгоряла сиена.

Оставам настрана от оцветяване на пигменти като пруско синьо или нещо, което започва с „Тало“. Винаги чувам, че имам „ограничена палитра“, но не мисля така. Как се ограничава, когато използвам всички основни и вторични цветове?

Каква хартия обикновено предпочитате?
Харесвам блок Arches, 140lb, груб. Иска ми се само да направят блокове в по-разнообразни размери. Редовните арки листове също са страхотни, но определено са различна хартия.

Имате ли мисли за бъдещето на акварела?
Да. Притеснен съм, че има толкова малък процент млади хора, които се интересуват от акварел. Големите акварелни общества трябва да се съсредоточат повече върху получаването на млади членове. Те трябва да спонсорират изложби, представящи работата на младите художници и да предлагат стипендии на обещаващи млади художници, работещи в акварел. Също така големите акварелни общества трябва да се опитат да се приведат в съответствие с художествените програми на университетите в техните непосредствени области.

Кой е най-добрият съвет, който можете да предложите на млад амбициозен акварелен художник?
Съвети? Бих могъл сам да използвам някои! Сериозно, работи усилено на занаята си! Научете как да рисувате добре. Учете рисуване, ако не академично, то поне в училище, което преподава всички основи, т.е. рисуване, перспектива, анатомия и др. Вярвайте в себе си и своето изкуство. Не питайте семейството и приятелите си за критики. Не се отнасяйте твърде сериозно! Това е пигмент на хартия.

Правете групови шоута и състезания, когато стартирате. Изложбите за един човек са за утвърдени артисти, а не за някой, който започва. Развийте дебела кожа. Пригответе се да се справите с отхвърляне, дребни колеги художници, ревност и завист. О, и запомнете това: Хората ще ви кажат какво искате да чуете.

Често този, който познаваш и колко добре си свързан, често може да доведе до всичко. Бъдете наясно с реалностите: Западният свят има малко внимание към акварелната среда. Много галерии няма да приемат акварели. Акварелите няма да донесат толкова, колкото маслените картини. Обикновено журитата не награждават акварели.

Не забравяйте, че най-големите художници остават ученици през целия си живот. Направете това за създаването на изкуство, рисуването е приоритет. Всичко останало идва след това. И четете това отново!

Франк Ебер е роден в Европа и е щатен професионален акварелен художник, живеещ в Калифорния. Франк рисува в цяла Европа и Америка. Той е член на подписа на Американското дружество за акварел, Националното акварелно дружество, Прозрачното акварелно дружество на Америка и акварелния Запад. Франк преподава и провежда семинари и демонстрации както на национално, така и на международно ниво.


Гледай видеото: МАКС ВЕБЕР - ПОЧЕМУ ПРОТЕСТАНЕ УСПЕШНЫ. Дух капитализма и протестантская этика #религиоведение #бог (Юли 2021).