Животът на художника

Разговор със Стивън Квилер

Разговор със Стивън Квилер

Шестият в Ексклузивна поредица от артисти:

Майстори на американската акварел

Стивън, какво можеш да ни кажеш като цяло за себе си като творец и начина си на работа.

Първо и най-важното, аз съм художник на водни медии. Използвам тези медии по "акварелен начин", но откривам, че всяка от тях има свои собствени визуални качества и характеристики на работа, което добавя към моя речник и израз като художник с водни медии. През годините съм работил в повечето медии, включително печатарството, но откривам, че има духовно качество, когато работя във водни медии, което ме пленява. В онези моменти, когато хартията е мокра и боята и четката се движат, слушам, наблюдавам и реагирам и ставам част от процеса. Разбира се, всичко това идва с 45 години рисуване всеки ден. И все пак всеки нов лист хартия носи ново преживяване и откритие.

Как се интересувахте от акварел?

В началото на 60-те взех някои часове по акварел, където се научих да боравя с четка и основните основи на средата. Първият ми инструктор беше Даръл „Пропуснете” Елиът, който по-късно отвори галерия в Таос, Ню Мексико. След това учих при Томас Къри, който ме запозна с теорията на цветовете. Тези двама художници ми даде началото.

Кои бяха художниците по акварел, които са ви повлияли най-много?

Оттогава развивам страст към изучаване на художници и история на изкуствата и сега разполагам със значителна библиотека за справка. Сред многото художници, които са повлияли върху мен, на преден план са двама: Артур Мелвил (1855-1904) и Чарлз Бърчфийлд (1893-1967). Видях първата си акварел от шотландския художник Мелвил в музея на Виктория и Алберт в Лондон през 1984 г. Той имаше много живописен подход, прилагайки и повдигайки акварел и след това добавяйки някакъв полупрозрачен и непрозрачен гваш. Оттогава съм в много британски музеи, за да изучавам неговите творби. Интересът ми към Бърчфийлд е, че той се задълбаваше под повърхността, когато рисуваше пейзажа. Рисува звуците, миризмите, движението, вятъра и енергията, които оживяват обекта. Бях свидетел на първата си изложба на Бърчфийлд в галериите на Кенеди в Ню Йорк в средата на 70-те. Това лято бях поканен да изкажа беседа, демонстрация и малка изложба на моите творби за 50-годишнината на Арт центъра на Burchfield-Penny в Buffalo, N.Y.

Казали сте, че художниците са в най-доброто, когато рисуват това, което знаят. Вие сте художник на природата. Можете ли да ни кажете как това се отнася за вашата работа?

Като художник е важно да намеря предметите, към които съм най-страстен и след това да се потопя в него. Например, аз съм пейзажист, който живее и диша високопланинските планини Сан Хуан от Колорадо. Имам дом и студио до река Рио Гранде с 360 градусова гледка към тези планини. Всяка промяна на светлина или настроение, виждам го. С течение на годините виждам тези теми по-дълбоко, познавайки интимните форми. Това ме освобождава да изразя. Аз съм щастлив човек, че намерих мястото, където е сърцето ми; всичко останало се основава на това. Когато съм извън рисуването или в ателието, отделям време за медитация и заемане на моя предмет. За мен не е достатъчно просто буквално да рисувам сцената. Искам да интерпретирам и рисувам как се чувствам от това, което виждам. Мога да пренаредя композицията, да преувеличавам цвета или омразата на тези живи форми или да държа на настроение или моментна светлина, въпреки че денят се е променил.

Какво ви привлича най-много при търсене на потенциални теми?

Намирам, че най-добрите идеи ме намират, а не обратното. Вместо да търся идеи, най-доброто вдъхновение идва, докато умът ми е в неутрален. Но винаги нося книга със скици в случай, че нещо се случи. Например, докато бягам ски в късния следобед, аз осъзнавам светлината и сенките на лицето си, докато се движа по хълма. Спирам и си мисля „точно това трябва да рисувам“. Проследявам своите песни и правя някои скици, като правя някои бележки, които водят до важна картина.

Правиш обширно рисуване и рисуване на място. Обикновено твоите студийни картини се основават на местоположението ти?

По-голямата част от моята ателийна живопис се основава на преживявания с рисуване и скициране на място. Студийните картини обикновено са по-големи, като се фокусират върху цвета и изражението - и експерименталните водни среди и композиция, базирани на скици и акварелни картини на място.

Намирате ли някога снимки полезни?

Съвсем наскоро взех със себе си цифров фотоапарат. Използвам камерата, ако ръцете ми са твърде студени, за да скицирам или съм с приятели; По-късно поставям снимката на екрана на компютъра си и скицирам от това.

Вашите картини се отличават със силен дизайн и цвят. Правите ли малки предварителни състави и цветни груби?

Взимам си картини и скици на място, правя проучвания, пренареждащи композицията и правя някои цветни бележки. Тази подготовка е важна за справка, но след като започна картина, я оставя да намери своя собствен живот и се чувствам погълната от процеса. Има моменти, в които започвам да рисувам, след това на пръв поглед мигове по-късно става тъмно и краят на деня. Живописта няма нищо общо с времето, а изцяло с енергията и любовта, които влизат в него.

Вие също сте известни с вашето развитие и изследвания на цвета. Какво можете да ни кажете за това?

Цял живот съм проявявал интерес към цвета, довел до развитието на колелото Quiller, две книги и много клипове за цвят. Тези учебни материали подчертават как теорията на цветовете и палитрата могат да бъдат използвани от художника. Вграждам дванадесет цветна универсална палитра, която може да улови всеки цвят, настроение, регион или предмет. Този подход сега се използва от художници от цял ​​свят. Концепциите и палитрата могат да бъдат използвани във всяка среда. Когато използвам акварел, моята 12 цветова палитра включва:

първични избори- кадмиево жълта светлина, рода на хинакридон и фталоцианиново синьо (зелен нюанс)

вторични- кадмиево червено-оранжево, ултрамариново виолетово и фталоцианиново зелено (син нюанс) или виридиан

Междинни- кадмиево оранжево, кадмиево червено, пурпурно, ултрамариново синьо, фталоцианинов тюркоаз, постоянна зелена светлина.

Има ли някои цветове на тръби, на които разчитате повече от други, и такива, които избягвате?

Освен това имам някои допълнителни цветове, които са важни, защото гранулират или помагат да се определи определено настроение. Два от най-използваните ми цветове са кобалтово виолетово и Неаполско жълто, както в моята линия за подпис, така и внесени и разпространени от компанията Jack Richeson. Умишлено не избягвам цветовете, тъй като може да има време и място за който и да е. Обикновено обаче не използвам пръст или някакъв неутрализиран цвят. Това е така, защото с моята система всяко от тях може лесно да се смеси с гъвкавостта да се направи цветната нотка по-неутрална или към чист оттенък.

В някои случаи използвате прозрачен акрил и прозрачен акварел в една и съща картина. Може ли това да представлява някакви технически проблеми?

Както споменах по-рано, всяка от водните среди има своите специфични визуални качества и характеристики на работа. Например мога да измия акрил прозрачно върху груба акварелна хартия. Когато се използва прозрачно, акрилът ще изсъхне със същия интензитет и стойност, както когато е мокър (за разлика от акварел, който ще изсъхне два пъти по-леко). Когато се използва в чисто състояние, акрилът ще постигне красив и светещ, богат тон. Освен това оцветява влакната, но не запечатва хартията. Когато изсъхне, цветът няма да се повдигне поради свързващото вещество от поли смола. По този начин вместо бяло парче акварелна хартия ще използвам светещо тонирано парче хартия. Мога да поднося и нанасям гранулиращ акварел върху повърхността и да се повдигна обратно към тонизирания акрил. Мога да прокарам това още повече, като добавя полупрозрачни и непрозрачни нотки на гуаш или казеин, за да откроя прозрачните акрилни и акварелни визуални качества.

Каква хартия предпочитате - марка, студена преса, гореща преса и т.н.?

В зависимост от средата, темата и подхода, който използвам, най-често използвам тези три опори. Харесвам груба акварелна хартия от 300 фунта с размери на повърхността като Waterford, Lanaquarelle или Fabriano Artistico; акварелна дъска със студена преса като Crescent # 5114 или Canson; Aquabord от Ampersand. Не подготвям хартията по никакъв начин, преди да започна.

Коя е най-добрата съвет, която можете да предложите на амбициозен акварелен художник?

Имах невероятно щастие, че направих рисуването на живота си. Това не е начин за изкарване на прехраната, а начин на живот. Естествено е в началото на кариерата да си помисля „Някой ден ще мога да използвам цвета по по-изразителен начин, или да имам по-силни композиции, или да бъда по-умел от техническа гледна точка.“ Размишлявайки, има неща, с които се занимавах в началото на кариерата си, които днес не мога да направя. И има неща, които правя днес, които не бих могъл да направя тогава. Важно е да се осъзнае, че всеки етап от кариерата на рисуването е важен и се гради на следващия. Всеки момент от процеса е значителен. Приемам го с благодарност и оценявам возенето.

Стивън Куилър е професионален художник на пълен работен ден от 1972 г. Стивън е учител и забележителен теоретик на цветовете. Написал е шест книги, продуцирал е много DVD и рисува в целия свят. Въпреки това той е най-известен със своите картини на любимата си южна планинска страна Колорадо. Наред с множеството си награди и членства, Стивън е подписан член на Националното акварелно дружество и член на подписа и Делфин сътрудник на Американското акварелно дружество. За повече информация относно Стивън, посететенеговия уебсайт.


Гледай видеото: Jocko Willinks Secret To Get Work Done - THE MEANING BEHIND IT (Юли 2021).