История на изкуството

Учете се от 5 от най-големите акварелисти

Учете се от 5 от най-големите акварелисти

Творчески връзки, които обединяват акварелните майстори

Когато започнете да изследвате изкуството на водната медия, е много полезно първо да потърсите вашите акварелни майстори! Да научите как наистина успешните и квалифицирани художници вършат своето нещо е като Жълт тухлен път за вас. Вие намирате своя път, като следвате пътя им.

Вземете вдъхновение, защото разбира се работата е красива, а също така придобийте представа за това как изпълняват по-сложни техники. Това е забавен и лесен начин да се отдадете на любовта си към изкуството и да научите повече за медия, която вдъхновява художниците от векове.

И когато сте готови да поемете следващия си проект за акварелно изкуство, защо да не оставите един от любимите ни теми - слънчогледи - да бъде в центъра на вниманието ви? С акварелна боя с Винита Папас - Слънчице върху слънчогледи Изтегляне на видео, ще изследвате основни акварелни техники и ще създадете прекрасна, весела слънчогледова картина! Наслади се!

Кортни

Уинслоу Омир

художникУинслоу Омир (1836–1910) се смята за един от най-големите американски художници и акварелни майстори на своето време. Той започва като илюстратор за Harper's Weekly, една от най-популярните публикации за деня. Той изобразява предимно ежедневието, реагирайки на социалните и политическите промени чрез изкуството си.

През 1861 г. художникът е изпратен от Харпър до фронтовите линии на Гражданската война, където той очертава сцени от военен живот. Това по-късно го вдъхновява да създаде поредица от картини по този въпрос и бележи своя ход от илюстратор до художник.

През 1873 г. той започва да работи в акварел, оставяйки настрана илюстрацията, за да стане един от майсторите на медиума. Освен кратък престой като чирак на литографа Джон Х. Буфорд и няколко урока в Националната художествена академия в Ню Йорк, Омър до голяма степен е самоук. Пътувания до Англия и Франция го вдъхновяват да промени предмета си на пейзажи.

Голям влиятел

Омир беше един от първите художници, които повлияха на Андрю Уайет, който се превърна в един от най-известните акварелисти в Америка. - Омир ме насочи към нещо друго. Получих посока, която беше автентична за мен и за това, което чувствах “, казва той в каталога Andrew Wyeth: Ранни акварели, (Музей на изкуствата на Currier, Манчестър, Ню Хемпшир).

Много други съвременни акварелисти са съгласни, че разглеждането на работата на Омир може да предложи много на начинаещ художник. Джейн Анджелхарт, художник-инструктор, която преподава акварел, наскоро ръководи работилница, в която показа работата на Old Masters, за да помогне на студентите да придобият нови умения.

Омир е един от основните й примери и тя казва, че дори е копирала едно от неговите произведения за собственото си назидание. „Научих различни удари с четки, като копирах работата му - буквално се опитах да копирам всеки удар, който направи. Бях изумен от различните цветове, които той използваше само за да изобрази лице, осветено в сянка.

Омир често работеше в серии, като се фокусира върху конкретни теми и експериментира с различни техники. Популярните му картини с участието на момчета в гребни лодки използваха наситени цветове и блестящо изобразена светлина, отразяваща се върху водата.

Спонтанен, но сигурен

„Най-важният урок, който взех от работата на Омир, беше неговата светлина“, казва художничката Линда Ерфъл. "Той увеличи интензивността на тоналните си контрасти, като рисува ярка светлина върху вода." Акварелите на Омир са известни и с хлабавата си четка; склонността му да запълва рамката с големи площи за измиване, които често се заливат, остъргват или акцентират с цветчета или други водни знаци; и използването на суха четка на преден план, за да разкрие текстурата на повърхността на хартията.

„Уинслоу Хоумър включи спонтанно, но уверено рисуване, което води зрителя през картината, сякаш е музикално парче“, казва художничката Шана Кунц. „Изучаването на работата му, заедно с работата на други майстори, ми помогна да намеря собствения си глас и съм сигурен, че същото може да се каже и за хиляди художници преди мен.“

Джон Сингър Сарджент

Джон Сингър Сарджент (1856–1925) е един от най-популярните портретисти на своето време, но също така е оставил наследство, включващо 900 маслени картини и приблизително 2000 акварели. През 1900 г. той насочва фокуса си към акварел, което е част от желанието му да издигне медиума и да докаже, че акварелите са завършени картини сами по себе си.

За художника акварелът беше бягство от комисиите за портрети и докато е в международните си пътешествия, ще запише чужди пейзажи в новия си любим носител. „Намирам Сарджент да мотивира не само за техниката си, но и за разнообразния предмет, който е избрал да рисува“, казва Ерфъл. „Той е най-важният майстор на акварел“, повтаря Анхелхарт. „Рисува предмети, без наистина да ги рисува“, обяснява тя, цитирайки картината Кални алигатори като пример. „В това парче той нарисува областта около крокодилите и добави няколко петна от цвят на сенките - това е невероятно и чудесен урок за всеки художник.“

Какъв удар

Изкуството на Сарджент от спонтанността в акварела може да се научи от художниците; способността му да разпръсква боя с лекота и след това с няколко удара да кристализира маркировките в завършена композиция и до днес е вдъхновяваща за художниците. Също толкова важно е да се отбележи, че този привидно хлабав стил се основаваше на здрава основа: подценяване в графит, което той използваше, за да постави централните фигури и големи форми.

Подобно на техниката си, когато работи с масло, художникът покрива повърхността си в цвят, след като осигури рисунката си, а след това изсветлява области, за да произвежда светлини и тонове, които използва за разработването на формите си. Той използваше различни инструменти, за да постигне своите светлини, от восъчен пастел до гъби за заливане. Въпреки че Сарджент предостави малко документация за методите си, всяко парче, което остави след себе си, предлага поглед върху художник, предал предмета му с изключително внимание и умение.

Чилд Хасам

Американски художник Чилд Хасам (1859-1935) започва кариерата си като акварелист и илюстратор и става привърженик на импресионизма, след като предприема няколко пътувания до Франция през младата си зряла възраст. Той донесе уменията, които е развил в Европа, обратно в Ню Йорк, където се превърна в един от най-големите градски художници-импресионисти и акварелни майстори на деня.

Гледайки работата му, човек може да види художника да съзрява с течение на времето, отлепял излишни елементи, за да позволи на визията му да заеме централно място. Ранната му живопис илюстрира подхода на Барбизон: сравнително приглушена палитра от светли, топли тонове с наслояване на по-тъмни цветове, използвани за моделиране и засенчване. По-късно художникът става по-интуитивен и прилага цвят в широки, дебели щрихи, които могат да се видят на картини като Дефилето, Appledore.

Учете се от всяка марка

Художниците могат да научат много от гледането на произведението на Хасам. Той е известен с богатите си цветове и смелата четка, както и съсредоточеността си върху улавянето на светлина и цвят, вдъхновен от френския импресионизъм. Неговото парче Къщата с четки е директна композиция - къща в рамка от дървета, но именно използването на акварел привлича зрителя. Художникът се съсредоточи върху сенките на покрива, използвайки различни техники за създаване на многопластов ефект.

В някои области по лицето на сградата той пусна бялото на хартията, за да посочи петна от слънчева светлина; за да създаде дълбоки сенки, той нанесе боя в мокри в мокри места. Същото може да се види в Генерал Лий Хаус, Ричмънд, в която обикновена графитна рисунка все още се вижда под различни слоеве боя.

Хасам направи малко смесване на боята в това парче, много подобно Къщата с четки, и всеки удар е видим, от най-леките знаци до най-силно наситените удари. По-късни поколения художници могат да видят ръката на майстора по време на работа и да се учат от всяка марка.

Морис Прендергаст

Подобно на гореспоменатите артисти, Морис Прендергаст (1859-1924) работи в други медии освен акварел. Въпреки това, за разлика от Омир, Сарджънт и Хасам, акварелът винаги е бил основната среда на художника и той не се е интересувал особено от импресионистичния фокус върху атмосферата и настроението - въпреки че той е учил за кратко в Париж в момент, когато движението твърдо се е хванало. ,

Картините на Prendergast показват предпочитанието му да създава динамични цветови модели на платното си. Неговото подценяване послужи за блокиране в основните форми и не даде много подробности, както се вижда в парчето, The Mall, Central Park, Подобно на Hassam, Prendergast пусна бялото на хартията, за да посочи дрехите върху фигурите и да посочи петна от слънчева светлина.

Водно натискане

Цветовете на Prendergast се прилагат ясно и смело, а простите форми на неговите фигури извеждат това на преден план. Художниците могат да се научат от неговия пример как да прилагат акварел, без да получават кални смеси и как да създават атрактивни цветни шарки.

„От копирането на Prendergast научих как той използва вода, за да„ избута “локви с пигмент до периметъра на малките си чадъри“, спомня си Анджелхарт. „Мен ме заинтригува как той перфектно облицова ръба на чадъра в малко по-тъмен вариант на основния цвят на чадъра. Разбрах, че той нарисува петно ​​и след това пусна вода в центъра, за да избута пигмента до краищата. “

В това парче може да се види и как художникът внимателно поставя фигурите, за да посочи естествения ритъм и движение на тълпите, както и създаването на различни цветни акценти (като докосванията на червеникаво-розово в чадърите и дрехите).

Отдалече парчето е сплотено и стойностите на цвета са ясни; при по-внимателно разглеждане може да се види, че художникът използва внимателни индивидуални четки, които, поставени един до друг, създават интересни и цветови контрасти. Тъй като неговите рисунки са прости, човек може да се съсредоточи единствено върху смесването на цветовете и нанасянето им, което често може да бъде много сложно при работа в акварел.

Албрехт Дюрер

Немски художник, гравьор и математик Албрехт Дюрер (1471-1528) е най-известен със своите отпечатъци, а той е бил известен като един от най-големите художници на Ренесанса в Северна Европа. Въпреки това той създаде и стотици акварели, които вдъхновяват художниците през годините. Ранен майстор на медиума, художникът преди всичко е представил природата.

„Картината му Големият газон беше малко, но мощно акварелно проучване “, обяснява художникът Грег Морт. „Той говори за творбата в поетичен план и неговите чувства се проявяват в творбата. Това парче и също толкова известният акварел Млад заек не са това, което човек смята за „традиционни“ акварели, в голяма степен заради фино изпълнените си повърхности. И все пак те бяха основни за това, което трябва да бъде постепенното изкачване на медиума от проучване до завършени и излъскани шедьоври. "

Фризсън от истинския

Действително акварелите на Дюрер са създадени в момент, когато носителят е използван предимно за изследвания и той го е използвал, за да запише своите визуални усещания за природата. Това, което направи акварелите му толкова необикновени, беше, че художникът притежаваше способността да съчетава спонтанен отговор на природата с техническо умение, което му позволяваше точно да изобрази сложните й форми.

Дюрер беше преди всичко драфстман и тези умения обогатиха акварелите му. „Смятам, че Дюрер е много важен за начинаещия художник, който днес ще изследва, защото той стои на фундаменталното, което рисува“, казва художникът Гари Акерс, "Започвам всеки акварел с рисунка и смятам използването на суха четка за разширение на рисуването."

Акерс също така смята, че Дюрер е бил източник на метода на суха четка и цитира Млад заек като пример. „Невероятно е начинът, по който е направил текстурата на козината, изтъкавайки повърхността на козината на заека. Горещо предлагам акварелистите да изучават работата на Дюрер. "


Гледай видеото: Един от Най-Известните Художници-Реалисти: Едуард Хопър и Самотата на Града. История на Изкуството (Септември 2021).