Техники и съвети

Рисуването е сърцето

Рисуването е сърцето

Рисуването е сърцето
Чертежът е основата на самоизразяването. Да се ​​научиш да рисуваш е най-бавният, но най-сигурният начин да постигнеш майсторство в твоята живопис.

От Жулиета Аристидес

Рисуването е сърцето и душата на изкуството. През 60-те, 70-те и 80-те години на миналия век, вследствие на абстрактния експресионизъм, неоекспресионизма и модата за изкуство за асемблиране и инсталиране, рисувайки всичко, но изчезнало от учебната програма на повечето художествени училища. Рисуването изглеждаше ненужно, почти остаряло. Още преди това, още през 1924 г., ученето да рисува се счита за второстепенно за научаването на рисуване, както е видно от това наблюдение на Харолд Скоро: „Рисуването, въпреки че първото (по значение), е и последното нещо, което художникът обикновено проучвания. Има още в него (рисуване), което може да се преподава и което възвръща постоянното прилагане на усилието ”(от Практиката и науката за рисуване, препечатано от Dover през 1980 г.).

Цветът веднага се въвежда, да, но формата радва ума, както и окото. Защо рисуването, независимо от предмета, е толкова важно? Помислете за портрет, в който очите са неправилно подредени или пейзаж, в който перспективата е обърната. Каквото и емоционално въздействие да е имало иначе картината, се заличава от технически недостатък. Скоростта вярваше, че рисуването може да се научи и аз като преподавател на художници свидетелствам за тази истина. Всеки може да се научи да рисува, но подобно на свиренето на пиано, това няма да се случи за една нощ и няма да се случи без практика. Някои художници започват с съоръжение, защото рисуват още от деца. В моето ателие виждам такъв тип ученик и виждам другия вид, тези, които нямат умения, но са решени да опитат. Втората група постига огромни печалби, докато тези в първата група рядко поемат рисковете, необходими за успеха. Онези, които имат дисциплината да упорстват, стават обучени чертожници, способни да овладеят техниките на всякаква среда.

Академичната традиция

В момента преподавам собствен клас по ателие в Академията за изящни изкуства в Сиатъл. Учебната програма, която създадох, е строга, в съответствие с академичната традиция, която започва в работилниците на художниците от Ренесанса и процъфтява през 18-ти и 19-ти век, най-вече в École des Beaux Arts и Академията Джулиан. По-ранните векове разбираха, че художникът трябва да бъде обучен старателно като чертожник, преди да премине към рисуването; често десетилетие на изучаване на рисуване не се е смятало за прекомерно. Прието беше също така, че уменията на един художник трябва да бъдат рязко преценени, преди той или тя да се опита да се справи с великия предмет на човешката форма. Едва след като художникът демонстрира занаят в рисуването на фигури и подредби на натюрморти, той може да започне да изразява жизнеността и благородството на фигурата. Рисуването на човешката форма изисква от художника не само да постигне подобие, но и да предложи - с дълбочина, чувствителност и цялост - какво се крие отвъд външния вид: душата.

Умението засилва самоизразяването

На начинаещите художници днес се казва, че самото умение инхибира самоизразяването. Напротив, смятам, че научаването на занаята на художника ви позволява да изразите собствената си визия. Традиционните умения са основата, от която вие, художникът, работите. Това е майсторството, а не липсата му, това е основата на самоизразяването. И обратното, да бъдеш креативен без познания на занаята е като да се опитваш да украсиш структурно неразвита сграда. Няма смисъл.

Считам, че моето учение е предаване на художествено наследство, което в противен случай би се загубило. Когато преподавам, се опитвам да предам информацията, от която се нуждае един художник, по начин, който е разбираем. Сложните задачи за рисуване и рисуване стават по-управляеми, когато са разбити на части.

Рисуването е процес на опростяване

Няма нищо по-важно от рисуването. Процесът на опростяване, актът на проектиране, попада в областта на рисуването. Всичко, всеки аспект на изкуството - тоест пропорция, стойност и форма, но цветът попада в областта на рисуването. Ако художникът е обучен първо като чертожник, тя е свободна да се концентрира върху цвета, а не да се притеснява дали ще получи правилните пропорции или не.

Един от парадоксите да научите как да рисувате е, че началната фаза изисква да пожертвате подробности в полза на дизайна и жеста, докато крайната фаза изисква всяка област на тялото да бъде представена или иначе работата ще изглежда общо и плоско. Да се ​​научиш да рисуваш отнема време; изисква да рисувате от живота всеки ден. В моето ателие учениците започват, като се фокусират върху рисуването; по-напредналите студенти преминават към монохроматично и след това напълно хроматично рисуване. Учениците нарисуват леярски мазилки, голият модел и натюрморти; те копират и майсторски произведения. Проектите стават все по-сложни, тъй като техните умения, заедно с увереността в тези умения, нарастват.

Как да преминем от рисуване към рисуване

Има толкова много начини да започнете да рисувате, колкото има темпераменти. Намирам за полезно да разделя процеса на рисуване на различните му компоненти: композиция, рисунка, стойност и цвят - като цяло се работи в този ред. Основата е силен дизайн; силният дизайн ще има въздействие от цялата стая. Следващият най-важен компонент е рисуването. Целта ми е рисунката да бъде едновременно точна и добре замислена. След това работя върху обединяването на стойностите, така че тъмните зони да осигурят контекст на светлините. Накрая се фокусирам върху цвета - както върху локалния цвят, така и върху начина, по който светлината влияе на този локален цвят.

Работа на етапи: занаят на художник

Обикновено прекарвам няколко дни в работа върху композицията. Тогава рисувам директно върху платното. Поправям рисунката с напоено перманентно мастило за Индия (така че следващият слой боя няма да измие линията), нанесена с фина четка. Тогава правя монохроматично подоцветяване, което установява стойностите. За това често използвам суров кехлибар, смесен с терпентин; тази смес може напълно да покрие повърхността на платното, но мастилените линии все още ще се виждат под нея. Изваждам светлините с памучен парцал.

Работя винаги от общо до конкретно. Започвам с най-широките взаимоотношения в линия, стойност и цвят, преди да се съсредоточа върху по-малките отношения във всеки обект или във всяка част. С помощта на голяма четка блокирам общите цветови отношения. Повечето ръбове се губят; Загрижен съм за свързване на обекти.

В този момент отново гледам рисунката. Добре ли се чете от разстояние? Има ли подчинена част от картината, която получава твърде много внимание? Трябва ли ръб да се отклони или да се придвижи напред? Често правя списък и се консултирам със списъка, докато правя промени.

Фокусиране накрая върху цвета

Сега ще се съсредоточа върху една част от картината наведнъж и ще приведа всяка област в завършено състояние. Опитвам се да поддържам формите на сенките унифицирани и прости; Правя това, като не позволявам твърде много отклонение на стойността в сенките. Тогава концентрирам усилията си върху полутоновете между сърцевината на сянката и светлините. Ако почувствам цвят, го влагам - не е толкова важно да виждам цвета, колкото да хвърля проблясък от него от ъгъла на окото ми. Вярвам, че ще изглежда правилно в контекста. Вместо да използвам който и да е един цвят за цяла област, аз търся отношения на цветове. Цветът в природата е изключително разнообразен, силно сложен и изумително красив. Докато чертежът и диапазонът на стойностите са силни, цветът може да бъде въпрос на мнение. Зрителят ще откаже преценката за това, което изглежда правдоподобно в полза на това, което творецът създава.

Светлина в тъмнината

От самото начало знаех, че искам да бъда художник. Израснах в Рединг, Пенсилвания, доста малък град. Родителите ми бяха емигрирали от Кейптаун, Южна Африка, където съм роден. Баща ми беше лекар, а майка ми, когато бях малка, остана вкъщи. Имахме много книги, най-вече колекция от 50 или 60 монографии за майстори художници. Семейството ми също пътува доста, така че видях много изкуство и всъщност копирах много произведения. Бях голям фен на Рембранд.

Когато бях тийнейджър, щях да настроя алармата си за 2 ч., За да мога да бъда сама и да ходя в тъмнината. Прочетох много философия и реших, че е важно да общуваме с природата, особено по времето, когато целият свят изглеждаше заспал. Удивително е колко много мога да видя; Тогава направих много скици. Когато си на тази възраст, животът е толкова нов и ти си толкова жив. Сякаш виждате нещата за първи път, сякаш всичко е запалено.

Мисля, че художниците използват постоянно този младежки интензитет. Докато съзрях като художник, работата ми изглежда все повече откровеност. Виждам рисуването като акт на осветяване, на работа през тъмнината към светлината. Светлината е чудесен откривател на нещата. Имах учител Майрън Барнстоун, който веднъж ми каза: „Гробът е за тъмнина. Паяжините са за гроба. Когато сте живи, трябва да празнувате светлина. " Това твърдение резонира с мен. Струва ми се, че има в живота тези моменти, когато осъзнаваш, че се случва нещо важно; че опитът никога няма да бъде възпроизведен; че тя ще избледнее и ще бъде забравена, никога няма да бъде възстановена - освен ако не я нарисувате. Да имаш способност и да си придобил умение да рисуваш такъв момент, да записваш такъв вид откровение, е безумно прекрасно.

Аспекти на занаята
Съвети от ателието

1. Рисувайте от гипсови отливки на антични статуи.

2. Копирайте главни чертежи. Тази практика ще ви даде възможност да изучавате как майсторите са трансформирали природата с цялото й разнообразие, изобилие и детайлност в съответствие.

3. Мислете като дизайнер. Най-голямата имитация не е най-великото изкуство. Когато рисувате от живота, потърсете какво искате да кажете и подчертайте доминиращия характер на позицията на модела.

4. Работа от общото към конкретното. Лесно е да бъдеш завладян от сложността, открита в природата и е нужен опит, за да започнеш да решаваш какво е релевантно от ненужното.

• Спринт, докато гледате обекта си.

• Погледнете през цветно стъкло или оцветен ацетат, за да ви помогне да видите линия.

• Преди да започнете да рисувате, кондензирайте цялата информация в миниатюрна скица - например 3 × 4 инча. Ако скицата се чете добре от цялата стая, вие сте готови да започнете да рисувате.


За изпълнителя

„Хората остават с впечатлението, че да имат деца ще ограничат живота им или ще затворят света им, но разбрах, след като имах дъщеря и сина ми, че светът ми е бил затворен преди това“, казва Жулиета Аристидес, която спечели наградата „Уайлдър за рисуване“ от Националната академия на Дизайн в Ню Йорк през 1995 г. Учи заедно с Джейкъб Колинс в известното ателие „Водна улица“; сега тя има собствено ателие. Нейният уеб сайт е www.aristidesarts.com.

Вижте я за повече от ученията на Аристид за рисуване Уроци по класическо рисуване, и Класическо ателие за рисуване като щракнете върху заглавията на книгата


Гледай видеото: Mitral valve regurgitation and mitral valve prolapse. NCLEX-RN. Khan Academy (Юли 2021).