Профили на изпълнители

Съвременният художник на акварел Джон Салминен споделя мъдрост

Съвременният художник на акварел Джон Салминен споделя мъдрост

Ексклузивно интервю с майстора на акварела: Джон Салминен

Всеки път, когато гледам работата на Джон Салминен, просто се радвам. Прекарвам няколко момента в изучаването на всяка картина - взимайки цветовете, композициите, разказите, формите - и това визуално поглъщане просто засилва настроението ми. Поради тази причина, сред много други, аз съм развълнуван, Джон Салминен е съдебният състав на10-та годишна международна витрина за вода.

Неговото експертно око и многобройни награди за изкуство го правят идеално жури за този конкурс. Той не само преподава и участва в живописни събития по целия свят, но е и член на подписа на Американското акварелно дружество, Националното акварелно дружество и Прозрачното акварелно дружество на Америка.

Салминен е спечелил над 220 награди в национални и международни изложби и е поканен художник в множество международни акварелни изложби в Китай, Сингапур, Тайван, Тайланд, Русия, Турция, Мексико, Италия, Белгия и Австралия.

Научете всичко за Джон Салминен, прочутото съдебно заседание на Watermedia Showcase, в това изключително интервю по-долу. Наслади се!

Как се интересувахте от акварел?

Интересът ми към акварела започна в началото на 80-те години на миналия век, когато имах възможност да уча с Cheng Khee Chee. Преподаваше разширени часове в университета в Минесота Дулут.

Колегата учител по изкуство и аз се записахме в няколко класа, обхващащи около две години. Това не беше първият ми опит с акварел, но това беше тласъкът, необходим за мен да се ангажирам сериозно с медията.

Научих много полезни техники, но най-важното открих интригуващия дизайн дизайн на акварел. Станах все по-наясно с важността на една добре разработена основа за дизайн.

Колкото повече рисувах, толкова повече осъзнавах колко трябва да науча. Чувствам, че все още надграждам информацията и уменията, придобити по време на тези часове.

Кои бяха художниците по акварел, които ви вдъхновиха най-много?

Започнах като абстрактен експресионистичен художник. Концепциите и подходите на DeKooning и Franz Kline са все още централни в съзнанието ми, когато започвам нова картина.

Когато започнах да рисувам в акварел, представително, г-н Cheng Khee Chee оказа силно влияние. И в началото исках да рисувам точно като него. В същото време се учех от калифорнийските художници - великите бързи и свободни художници на пленер, които движеха средата напред.

Робърт Е. Ууд и Морис Шубин ми предоставиха друг начин да включа дизайн в моите парчета. Франк Уеб красноречиво пише по темата и аз внимателно проучих неговия подход.

Като станах по-умел, започнах да възприемам собствения си стил. Влиянията ми станаха по-фино настроени.

Докато не се опитвам да подражавам на работата или стила на други художници, аз постоянно вдъхновявам от много художници. Сегашната употреба на Дийн Мичъл на богатите сиви сиви части, светещите пасажи на Джоузеф Збуквич и умението на Мери Уайт да ангажира зрителя на емоционално ниво са интригуващи за мен.

Докато преподавам, преценявам, посещавам изложби и разглеждам работа в книги или в социални медии, виждам парченца и парчета картини, които ме карат да се замисля как определен ефект или дори един вид удар с четка може да повлияе на собствената ми работа. Всичко, което виждам, има потенциал да променя мисленето си и да влияе фино върху работата ми. Винаги ще бъда ученик и внимателното наблюдение на творби от художници, на които се възхищавам, ми помага в моето пътуване към усъвършенстване.

Какво търсите - кое ви привлича най-много - когато търсите потенциални теми?

Работя от снимки, които вземам на място, като използвам визьора на камерата като моя скица. Търся промени в стойността и интересна композиция, когато определям кога да щракна върху затвора. Същите тези елементи ми помагат да определям коя от многото ми препратки към снимки да избера за картина.

След като избера тема със силен състав, ми става работа да я влея с допълнително съдържание, което ще говори на зрителите. За тази цел често добавям фигури и променям настроението и атмосферата, като коригирам ценностната структура, за да придам усещане за време и място.

Някои субекти се поддават на „история“ по-лесно от други. Това е част от предизвикателството при създаването на картина, с която хората могат да се свържат.

Много от вашите картини разполагат с добре познати места. Мислите ли, че това ви помага да установите настроение или да се свържете с зрителя?

Използвайки теми, с които зрителите могат да се свържат, аз ги каня да взаимодействат с работата. Една от целите ми е да покажа на зрителя малко по-различен поглед върху позната икона.

Твоята работа се отличава със силния си дизайн на сложни теми. Правите ли малки предварителни груби или стойностни проучвания?

В продължение на много години попълвах скица след скица с подробни чертежи, направени на място. След това се върнах в студиото си и преработих скиците с поглед към дизайн, композиция и стойност.

Втората рисунка стана моят план за картината, докато скицата ми на място предостави убедителни подробности. След толкова практика с този подход, базиран на дизайна, създавайки стойностни модели, динамични аранжименти на формата и интересни композиции, сега усещам, че съм интернализирал тези принципи.

Мога да идентифицирам силен обект както докато правя снимки, така и докато ги сканирам, търсейки референции за рисуване. Въпреки това, аз все още doodle, докато говоря по телефона. Когато имам малко допълнително време, обичам да го прекарвам, като правя абстрактни аранжименти от тъмни, средни и светли стойности - композиция на най-същественото си ниво. Докато завършените музиканти продължават да практикуват везни, аз продължавам да пиша.

След като композицията и посоката на картината са установени, продължавате ли без много повече предварителни работи?

След като видя какво искам да рисувам, правя обширна рисунка, пренареждане и препроектиране точно както преди в моята скица. Стойността на солидната рисунка е, че ме освобождава по време на процеса на рисуване да се концентрирам върху настроението и чувството.

Тъй като моите картини често са доста големи, рисунката ме поддържа във връзка с първоначалното ми намерение. И времето, прекарано в създаването на рисунката, се възстановява по време на процеса на рисуване.

Открих, че за мен е важно често да поставям картината и да я гледам внимателно и критично. Картината често развива свой собствен глас и понякога предлага нова посока.

Какво можете да ни кажете по отношение на вашата ефективна употреба на неутрали и ограничен цвят? Използвате толкова добре тъмните стойности и дълбоките сенки. Използвате ли някога черно - ако не само за допълнителен удар?

Използването на неутрализиран цвят се основава на концепцията за постановка. Създавайки внимателно оркестрирана картина, използваща допълващи смеси и богата смесица от сиви, мога да използвам малки количества чист и светъл цвят, за да създам драматичен акцент.

Използвам и черно лампа като драматичен акцент, като поставям чистото черно в част от картината, която вече е посветена на много тъмни смесени черни (ализарин малиново и фталово зелено или ултрамариново синьо и изгоряло умбер например). Черният цвят на лампата придава светене на околните тъмни проходи и осигурява допълнителната щракване, необходима за създаване на тъмен акцент.

Използвате справка за снимки за вашите картини в студиото. Изпитвали ли сте някакви реални недостатъци при работата с снимки?

При работа от снимки има потенциален риск. Изпълнителите понякога просто копират това, което камерата е записала или работят от снимки, направени от други хора. Това би могло да ограничи способностите на художниците да изразяват своите индивидуални творчески визии.

Преподавах фотография в продължение на много години и вярвам, че естетическите стандарти, по които съдим по снимка, са различни от тези, които използваме за преценка на картина. Просто уголемяване на снимка с помощта на боя изглежда глупаво. Магазин за фотокопие може да го направи по-бързо и по-евтино.

Предизвикателството ми при използване на фотореференции е да създам произведение, което разчита на живописното боравене със средата и се възползва от възможностите ми за подобряване и подобряване на реалността на сцената. Често имам емоционална реакция към моите поданици. Това, което виждам, е оцветено от сбора от моите собствени преживявания.

Например, понякога моето виждане за една сцена е повлияно от красиви описателни пасажи от автори като Саул Беллоу. Или си спомням как се чувствах, когато стоях на място и гледах през моя визьор. Спомням си гърма на повдигнатия влак или миризмата на печени кашу от близък продавач. Всички тези допринасящи фактори добавят елементи към моята картина, които не бяха включени в първоначалната фотореференция.

Снимка вярно записва подробности. Трябва да дам приоритет на този детайл, интерпретирайки го и се надявам да го подобря. Тези неща, съчетани с качеството на марката на страницата, отличават картина от снимка.

Понякога работите с няколко различни снимки на една и съща тема?

Често съчетавам изображения, за да подобря композицията или да подобря разказаната история.

Каква хартия обикновено предпочитате - марка, студена преса, гореща преса и т.н.?

Най-добрата хартия за моя процес на рисуване е студена преса d'Arches със 140 фунта, в пълни листове, размер на слон или по-големи парчета, изрязани от рула. Тя обслужва напълно моите нужди.

Подготвяте ли хартията си по някакъв начин - намокряте я, разтягате я и т.н.?

Аз просто залепя хартията на парче пяна сърцевина, като поставя лентата на около 1/2 инча от ръба на хартията. Използвам сърцевина от пяна, която предварително нарязвам на същите външни размери на постелката и парче плексиглас, което ми позволява лесно да плъзна картината зад постелката.

Плексигласът възвръща блясъка на повърхността. Тази проста система насърчава честите периоди на размисъл с появата на картината.

Имате ли някои цветове, на които разчитате, и някои, които се опитвате да избегнете по някаква причина?

Любимите ми цветове са много традиционни. Моята палитра не се е променила много от много години. Alizarin Crimson и Pthalo Green седят един до друг, както и Ultramarine Blue, Burnt Sienna и Burnt Umber. Това са комбинациите от работни кончета на моите неутрални цветови схеми.

Друга комбинация, която ми харесва, е Cerulean Blue и кадмиево оранжево, за да създадете някои наситени трудно определящи се цветове. Единственото ми скорошно попълнение е любимо на практически всички: Quin Gold. Използвам го обаче с повишено внимание, защото иска да бъде звездата на шоуто независимо дали искам това или не.

Любимите ми смеси се появяват след няколко дни боядисване, когато кашата в средата на немитата ми палитра започва да става интересна.

Аз лично избягвам всички жълто-зелени. Единственото зелено в палитрата ми е фтало, защото е хладно и се смесва добре с други цветове.

Вашите пленерни картини представят възхитителен, но напълно различен стил. Те допринесоха ли за развитието на вашия стил на рисуване в студио?

Моите студийни картини отнемат 40-60 часа. Тъй като много се наслаждавам на акта на рисуването, това не е проблем за мен. Ставам толкова потопен в малките абстракции, които се появяват, докато прилагам вътрешни детайли, че бих могъл да продължа да рисувам завинаги.

Въпреки това, наскоро бях поканен да участвам в пленерни рисунки в Китай и на други места. Моят студиен стил не би бил приложим, затова преразгледах корените си - бързият и свободен стил в Калифорния. На мен ми е удобно и е подходящо за основните дизайнерски концепции, които разработвах през годините.

Радвам се, че мога да завърша картина за час-два и бях все по-доволен от резултатите. Мисля, че тези преживявания засилват работата ми в студиото, защото ме връщат във връзка с прекрасния светещ аспект на бързо нанасяните измивания - нещо, което понякога се губи в студиото.

Когато излизам на улицата с фотоапарата си, създавам изображения в почти същия мисловен начин, както когато рисувам навън, преживявайки сцената от първа ръка. Няма толкова прекъсване на връзката, колкото може да изглежда. Най-голямата разлика е, че когато рисувам на пленер, използвам почти изключително квадратни четки вместо моя любим от студиото, четвъртата четка.

Кой е най-добрият съвет, който можете да предложите на млад, амбициозен художник на акварел?

Чувам този въпрос много: „Какво мога да направя, за да бъда по-добър художник?“ Независимо дали е зададен от начинаещ или опитен художник, който се надява да се подобри, отговорът винаги е един и същ - ПОРЪЧЕТЕ ПОВЕЧЕ! Колкото повече рисуваме, толкова по-добри ставаме и толкова повече се радваме.

Също така бих предложил амбициозни млади художници с акварел да се опитат да намерят място, където да рисуват, където не е необходимо да се разграждат и настройват отново за всяка сесия за рисуване. Не е важно да имате фантазирано ателие - просто място, където боите и хартията могат да бъдат оставени, необезпокоявани.

Изпълнителите, които чакат музата да говори, понякога могат да чакат дълго. Това време може да бъде прекарано в практикуване, хониращи умения за рисуване. След като се поеме сериозен ангажимент и се даде приоритет на намирането на време за редовно рисуване, останалото ще последва. Както всичко останало, което се стремим да овладеем в живота си, практиката е отговорът.

Също така е важно да не допуснете неуспехите или отказите да станат неприятни или смущаващи. Аз преценявам напредъка си на стъпки от пет години, а не от една картина на следваща.

Не показвам една и съща картина в повече от една конкурентна изложба и бих предложил и други художници да правят същото. Според мен зрителите ще бъдат по-малко заинтересовани от картина втори път, когато я видят, а още по-малко трети път.

Вместо да разчитам на една много успешна картина, бих насърчила художниците да се върнат в ателието, като работят, за да направят още по-добра. Както личното израстване като творец, така и развитието на зрителската публика ще стигнат до онези артисти, които са решени да продължат напред към целта, която всички споделяме - да направим всичко възможно.

Статии от Пол Съливан; всички снимки, извадени от книгата на Джон Салминен, Джон Салминен, майстор на градския пейзаж, които можете да разгледате тук.

Покажете вашите таланти на Watermedia

Сега, след като научихте повече за живота, изкуството и съветите на Джон Салминен, защо не поставите уменията си на изпитание?

Изпратете вашите картини на водни медии в 10-тата годишна международна витрина за вода, за да спечелите една от няколко невероятни награди.Научете повече за конкуренцията, наградите и как да влезете тук, Успех, артисти!


Гледай видеото: Безопасно място, творческа провокация-рисункаколаж (Октомври 2021).