Животът на художника

Момент с Томас Шалер

Момент с Томас Шалер

Запознайте се с майстора на американската акварел - Томас Шалер

Насладете се на това изключително интервю с американския майстор по акварел Томас Шалер по-долу, за да научите повече за неговите картини, вдъхновения, процес и др.

Елате да изучите акварела с Томас в прочутата и красива италианска провинция този септември в неговия Отстъпление в Тоскана, Резервирайте мястото си сега!

Как се интересувахте от акварел?

Израснал в селския Охайо, единственото ми излагане на широкия свят като цяло и по-специално на изкуството беше чрез книги. Майка ми и баба ми имаха доста колекция от книги за изкуство. Като дете ги гледам безкрайно; загубвайки се в историите, визиите и въображенията на художниците в тези страници.

Винаги обичах да рисувам, да се изгубя във въображаеми светове на моето собствено творение, далеч отвъд онова, което виждах като свой собствен доста ограничен. И така животът на един художник ми се стори най-добрият възможен. И това стана пролетната дъска за всичките ми мечти. Логиката ми беше, че ако никога не видях всички чудесни места, за които мечтаех, бих могъл поне да рисувам и рисувам свои собствени - а може би и по-добри - точно там, в моята скица.

И така в тази рамка на ума мечтаната, флуидна природа на много от акварелите, които видях в онези ранни дни, стана толкова особено резонансна. Игривата, мощно въображаема творба на Джон Марин и Чарлз Бърчфийлд наистина удря у дома. И страхотната яснота и честна емоционалност на акварелните картини на Едуард Хопър ме смаят дори сега, много години по-късно.

Кои бяха художниците по акварел, които ви вдъхновиха?

Освен споменатите по-горе, помня, че бях шокиран на около 10-годишна възраст от изображения на редица акварелни морски пейзажи от Търнър. Бях прекалено млад, за да разбера истински, но нещо в светлината на отвъдното и емоционалните сътресения в тези вдъхновени творби ме привлече.

Именно липсата на подробности - липсата на предоставени „отговори“ ме наложи много повече от силно специфичните или съчленени морски пейзажи, създадени от други. Изглежда Търнър почти предизвиква зрителя да разреши пъзел или да разгадае мистерия в творбите си.

Средата на акварел изглеждаше идеална за този вид светлина, напоена с атмосфера и емоционално заредена история. И все още го прави.

Вие посочихте работата си като „интерпретиран реализъм“. Можете ли да обясните това?

Винаги съветвам моите групи (и себе си) да не рисувам това, което виждаме толкова, колкото как това, което виждаме, ни кара да се чувстваме. Или с други думи, бих могъл да кажа: „Опитайте се да нарисувате действителното си вдъхновение - не каквото и да ви е вдъхновило.“

И нямам предвид това да звучи толкова глупаво или толкова претенциозно, колкото може. Това, което искам да кажа е, че след като започнем да рисуваме, единственият свят, в който живеем, е там на молберта пред нас - никъде другаде.

Каквато и гледка, сцена или идея да не ни е вдъхновила да рисуваме, именно картината е от значение в дългосрочен план. Според мен работа на художника е да внесе уникално емоционално прозрение и визия в нашата живопис; да тълкуваме това, което виждаме, а не просто да се опитваме да създадем факсимиле.

Какво търсите - или кое ви привлича най-много - в потенциалните теми?

Вярвам, че художниците винаги рисуват - дори когато не сме на станцията. Докато се движа по света, постоянно забелязвам завладяващи модели на тъмно и светло. И това са това, което ме вдъхновява много повече от действителните неща или сцени.

Толкова голяма част от работата ми е информирана и оформена от светлинни модели. Но това, което наистина ме вдъхновява, са по-широките идеи за връзка - за диалог и напрежение - между противоположни сили: тъмно и светло, сянка и сянка, топло и прохладно, изгубено и намерено и т.н. Тя е в контраста и от време на време мост на разрешение между тези противоположни сили, че могат да бъдат намерени всички въпроси, които бих искал да задам моето изкуство.

Скицирате ли на местоположение, работите със снимки или и двете?

Никога не ходя никъде без скица. Така че, ако не мога да рисувам това, което бих искал на сайта, и в момента винаги ще правя бърза, груба, малка скица на всичко, което ме вдъхнови. Много повече от снимките, тези скици са безценни инструменти, защото записват моите впечатления, моите реакции, моите чувства към потенциална картина.

И така, ако дни или дори месеци по-късно избера да рисувам нещо, което ме вдъхнови, тези впечатления в моята скица могат да ме върнат точно на това място, в този момент и ще си спомня как се чувствах и защо исках да рисувам на първо място. Често ги допълвам и със снимки, но се опитвам да рисувам повече от моите скици, отколкото от снимките, тъй като скиците съдържат повече от действителните неща на изкуството.

Вашите картини са разпознати по своя звуков дизайн и стойностни контрасти. Правите ли скици с миниатюри с молив или ценностни проучвания?

Да, почти винаги. Такива скици не винаги са абсолютно необходими, но почти винаги ги правя така или иначе.

Те помагат да закрепят в съзнанието ми основите на една потенциална картина - най-добрият формат, ценностите, организацията и композицията на тъмните и светли форми. Освен това ми казват кои елементи са от съществено значение и какви детайли могат да бъдат редактирани за моята картина, за да разкажа нейната история най-ефективно, без да се включва нищо излишно.

Също така, целта ми е да рисувам да мисля по-малко и да се чувствам повече. Така че тези скици са чудесен начин за мен предварително да извадя всичкото си мислене. Тогава мога да рисувам от по-емоционална, интуитивна позиция, отколкото бих могла иначе.

Много от вашите картини имат архитектурни обекти, включващи перспектива. Правите ли много предварителна рисунка, преди да започнете?

Не. Правя всичко безплатно на крайната повърхност без специални инструменти или предварителни перспективни конструкции. Но честно казано, аз бях търговски архитектурен акварелист повече от 20 години, така че рисуването в перспектива се превърна във второ естество за мен.

Вашите картини се отличават с впечатляващия си цвят и усещането за атмосфера. Правите ли предварителни цветни скици?

Мисля за себе си като повече за стойностен художник. Имам още много да науча за - добре всичко - но със сигурност, за цвета. За мен е важно, но по-малко от успешна композиция от тъмници и светлини. Никой цвят няма да спести картина, която страда от диапазон от стойности, лишени от динамика или сила.

Преди години един от първите ми учители беше страхотната Жана Доби, която остава един от най-големите ни колористи. Продължавам да се уча от нейното учение дори и сега. От нея научих силата на допълващи се тонове и оттогава се адаптирам и разширявам по тази тема. Работя почти изключително в допълнения.

Атмосферата, задоволяващото напрежение и електричество в акварел, които могат да бъдат постигнати, когато един цвят потече в допълнението му, е вълнуващо - и като нищо друго, което може да се направи толкова успешно в друга среда.

Понякога ще направя предварително проучване на цвета, но обикновено не. Но винаги имам предвид основен цветови план, база от два допълващи се тона, които ще зададат тона на картината напред. И оставих картината да се развива, както иска от там.

Има ли някои цветове, на които сякаш разчитате - като стари приятели?

Предполагам, че е така, но е по-точно да се каже, че има специфични цветови комбинации, на които постоянно разчитам. Това почти винаги са допълнения, топло и готино. Така че кобалтовото синьо е основна част от много палитри, включително и моя. Но никога не мисля за хладното кобалтово синьо без неговото топло допълнение - светлочервено или кадмиево оранжево най-често за мен.

Същото е в по-задълбочен регистър за Ultramarine Blue и Burnt Sienna; също виолетови и жълти, червени и зелени от различни нюанси. Напоследък експериментирам с картини, в които използвам предимно само един цвят, може би нюанси на синьо или нюанси на лилаво. Тогава е интересно предизвикателство и вълнуващо да гледате силата, която една малка оранжева точка може да има във изцяло синята картина, или малка жълта в изцяло лилава.

Има ли някои цветове, които се опитвате да избегнете поради някакви причини, лични или технически?

Много предпочитам пигменти, които са основно на утайка. Тъй като използвам сравнително текстурирани хартии, тези пигменти са малко по-тежки, когато са във воден разтвор и така ще потънат до дъното на измиване - установявайки се в отпечатъците на хартията и течащи по върховете. Това води до картини, които имат този полупрозрачен, текстуриран блясък, който може да бъде толкова характерен за акварел.

По същата причина съм склонен да избягвам по-пигментните пигменти. Те просто ще боядисват повърхността на хартията и за мен могат да доведат до работа, която изглежда по-плоска - по-малко жива.

Какъв тип хартия предпочитате?

В рамките на разума, колкото по-текстурирани са, толкова по-добре (по горепосочените причини). Така че най-често използвам Saunders Waterford или Fabriano Artistico с грубо покритие. Обикновено избягвам по-дебели хартии, защото те са склонни да абсорбират твърде много пигмент и могат да изравнят появата на произведение, докато изсъхне. Така че 140 lb (300gsm) е теглото, което обикновено предпочитам.

Арките имат красива текстура, но са склонни да оразмеряват много. Въпреки че е чудесен за по-твърдите ръбове, той не винаги е толкова добър за мокро в мокро въздействие. С по-меки хартии като Saunders, мокрият разтвор на боя / вода буквално ще се смеси във влакната на самата хартия.

Обикновено подготвяте ли хартията си - като я намокрите, монтирате и т.н.?

Ако работя в по-голям мащаб - с пълен размер на листа и нагоре - обикновено ще слагам хартията надолу до носилка, за да избегна проблеми с изкълчването. Ако използвам склад с големи размери, ще го накисвам и разтягам, преди да се подредят.

Но за по-малки произведения - размер на половин лист или толкова - обикновено е достатъчно само прилепването на хартията до дъската. Може да се закопчава малко, когато е доста мокро, но ще изсъхне абсолютно плоско.

Можете ли да кажете веднага кога нещата не работят както трябва в картината?

Това е чудесен въпрос, но един без ясен отговор. Бих казал, че дори когато мисля, че мога да кажа, често греша. Всъщност греша дори да си задавам този въпрос.

Това, което често може да се случи, е, че имаме предварително създадена представа в главите си за това, как вярваме, че картината „трябва“ да отиде или как трябва да изглежда. Но някъде по пътя завива наляво и ние реагираме зле. Това е грешен отговор. Да оставим тези идеи за начало и да се научим да слушате картината си, докато тя се развива, е правилната.

Картината често знае какво иска или има нужда от повече от вас. Това, което продължавам да уча, е значението на цялостния план, но също и в желанието да го пусна, ако картината ми каже, че иска да тръгне в друга посока.

Акварелът е среда, която не може и не бива да бъде напълно контролирана или „овладяна“. Когато се изгубя в процеса на рисуване - когато изключа критичния си ум и просто рисувам от интуицията и усещането - винаги ще изляза с по-успешна картина, отколкото бих направила, ако се опитах да се огъвам и да принудя средството в някакво предварително замислено кутия. Получената картина може да е много по-различна от тази, която може би първоначално съм си представяла, че ще бъде. Но почти винаги ще бъде по-добре.

Кой е най-добрият съвет, който можете да предложите на млад, амбициозен художник на акварел?

Най-добрият ми съвет за повечето хора по всяка тема би бил да не приемате твърде много съвети. Наистина имам предвид това и то не по никакъв ироничен начин. Да, разбира се, трябва да учим от майсторите; трябва да се учим и да се вдъхновяваме от тях. Те могат да ни отворят очите и да ни улеснят.

Но в крайна сметка, за да станем добри в каквото и да било, всички трябва просто да сме готови да вложим време и усилия да опознаем себе си и да измислим собствените си пътеки. Само ако правим това, можем някога да се надяваме да намерим собствения си глас, да се запознаем със собствените си страсти и източници на вдъхновение.

И колкото е възможно повече, трябва да се опитаме да не се сравняваме твърде много с никой друг. Това може да се превърне в вид отрова. Той поражда вид нездравословна конкурентоспособност и може да насърчи както ненужното самосъмнение, така и ненужното самочувствие - както опасни клопки.

Абсурдно е да вярваме, че някога можем напълно да овладеем акварела. Но трябва да рисуваме така, сякаш вярваме, че можем. Желанието ми е всички ние да обичаме процеса на стремеж, учене и усъвършенстване - рисуване чрез рисуване - като радостно преследване през целия живот.

В края на краищата няма нито един „правилен“ начин да рисувате в акварел или да правите почти всичко друго по този въпрос. Има само начинът, който работи най-добре за вас, само начинът, по който може да се формира вашият собствен уникален глас и да бъде чут да разказва историите, за които вие сами някога бихте могли да знаете думите.

Повече за Thomas Schaller

След 20-годишна кариера в Ню Йорк като архитект и архитектурен художник, Томас Шалер вече е базиран в Ел Ей, където работи на пълен работен ден като изящен художник, рисуващ акварел. Член на подписа на AWS и NWWS, Том също беше наскоро избран за член на изкуството на Калифорнийския художествен клуб и Salmagundi Club в NYC.

Работата на Schaller е приета на много престижни изложби по целия свят - включително на American Masters Exhibition, NYC; Американското дружество за акварел; Националното акварелно дружество; изложбата за златен медал на Калифорнийския арт клуб; Биеналето за акварел в Шенжен, Китай; Международното биенале за акварел на Zhujiajiao, Китай; Изложба на майсторите на акварел, Санкт Петербург; Световното изложение за водни медии, Тайланд; Acquarello във Фабриано, Италия; Eau en Couleurs, Белгия; Salon de L’Aquarelle du Haillan, Франция.

Примери за неговата работа наскоро бяха добавени към постоянните колекции на Музея за архитектурно рисуване на фондация Tchoban в Берлин и Фондацията на Тихоокеанските изкуства в Newport Beach. Том е автор на две книги; най-продаваният и носител на награда AIA,Архитектура в акварел иИзкуството на архитектурното рисуване, В момента той работи над третата си книга, а наскоро пусна серия от видео и DVD: Заснемане на светлина в акварел: Рисуване с фигура, която е налична сега.

Можете да научите повече за Шалер и неговото изкуство, като посетите уебсайта му.


Гледай видеото: Preview. Watercolor Painting with Thomas Schaller: Perspective and Design (Октомври 2021).