История на изкуството

10 главни чекмеджета (и на какво ни учат)

10 главни чекмеджета (и на какво ни учат)

Най-големият чекмедже в света би могъл да бъде чирак на друг художник в рококо Франция, или ренесансов чертожник, направен невидим от отблясъците на признат майстор от по-могъщ град наблизо, или на самозван инструктор по изкуство, който в момента работи в Минесота.

Изборът на топ 10 чекмеджета за всички времена е салон игра със съмнителна стойност. Вместо това решихме да изчислим броя на реферираните или възпроизведени исторически фигури в първите 10 броя на Рисуване списание и ги покажете с илюминационни коментари от внимателен работещ художник и представител от една от най-уважаваните художествени институции в страната.

Всеки от 10-те представени тук художници предлага рисунки с изящна красота; но, което е по-важно за нашите цели, всеки предлага прозрения и уроци, които всеки чертожник може да използва. Проучваме защо работата на тези хора е толкова вдъхновяваща.

Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи (1452–1519) беше първата безспорна суперзвезда на изкуството и геният му е безспорен. Но Ефрем Рубенщайн, художник, който преподава в Art Student League of New York, в Манхатън, смесва възхищението си от Леонардо с това, че дори този велик Ренесанс не излезе от вакуум.

„Леонардо получи толкова много от Андреа дел Веррокио, който беше невероятен учител“, казва Рубенщайн. „Всеки произхожда от традиция; никой не идва от нищото. Леонардо научи наченките на сфумато от [неговия учител], наред с много други неща. "

Роден на незаконен син на адвокат в тосканския град Винчи, Италия, Леонардо е учен, изобретател, пионер в изучаването на анатомията и художник на шедьоврите Тайната вечеря и Мона Лиза- прототипичният човек на Ренесанса.

Рубенщайн нарича своите линии като „мели, деликатни и грациозни. Той не прави нищо, което няма най-красивите извивки. " Но неговите скици са това, което прави Леонардо новатор.

„Той беше едно от първите момчета, които заговориха за извеждане на тетрадка на улицата“, обяснява Рубенщайн. "Леонардо каза, че трябва да имате пряк контакт с живота и да наблюдавате действията на мъжете."

ресурси:

  • Леонардо да Винчи главен чертожник, от Кармен К. Бамбах (Метрополитен музей на изкуствата, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Леонардо да Винчи: Цялостните картини и рисунки, от Франк Золнер и Йоханес Натан (Ташен, Кьолн, Германия)

Микеланджело Буонароти

Таванът на Сикстинската капела е един от най-известните подвизи в историята на изкуствата, но тези, които се интересуват от рисунки, се фокусират върху повече от 90 произведения с креда и мастило Микеланджело (1475–1564), направени в подготовка за тази и други комисии.

Някои художници направиха паралела между работата на този италиански майстор и фантастичните, обвързани с мускули форми в комиксите. Но ако някой амбициозен чертожник през последните 50 години с възхищение е подхождал към пулсиращата човешка анатомия в комиксите, той е стигнал до работата на Микеланджело със страхопочитание.

„Със своето майсторство на живопис, скулптура и архитектура, никой художник - с възможното изключение на Леонардо - не беше по-надарен от техническа гледна точка“, казва Рода Айтел-Портър, ръководител на отдела за рисунки в Библиотеката на Морган в Ню Йорк ,

„Неговите фигури винаги проявяват себе си“, отбелязва Рубенщайн. „Те се стремят към нещо, но са обвързани. Всички мускули се напрягат едновременно, което е анатомично невъзможно, но дълбоко поетично. Микеланджело направи пейзаж на човешкото тяло. "

Причината е логична: Микеланджело беше скулптор. Разделянето между тактилното и зрителното се разгражда; художникът вижда и рисува в три измерения. „Микеланджело [разбрал], че даден мускул има яйцевиден характер и той [ще отиде] след тази форма с тебешира“, казва Рубенщайн, като изтъква, че маркировките на рисунките му все повече се отлепват върху по-завършени участъци от формата във начин, който успоредни линиите на длето върху незавършена скулптура. Художникът е поставил груби люкове на някои места, по-внимателно определяйки кръстосано косене на други и полирайки тон в най-завършените зони.

Работата на Микеланджело е белязана от две други черти: почти пълната му отдаденост на мъжката гола и вездесъщата чувственост в неговото изкуство. Дори женски фигури в неговите парчета бяха моделирани след мъже и дори драперията му беше чувствена.

„Той можеше да каже всичко, което искаше да каже с мъжката гола“, отбелязва Рубенщайн. „Той не беше разсеян от нищо друго - не пейзажи, не натюрморти, не женски екземпляри. С изключение на своята архитектура, Микеланджело беше монолитно фокусиран върху мъжката гола и дори в сградите му можеше да се правят паралели с тялото. "

ресурси:

  • Рисунки на Микеланджело: По-близо до господаря, от Уго Чапман (Yale University Press, Ню Хейвън, Кънектикът)
  • Уроци от Микеланджело, от Майкъл Бърбан (Watson-Guptill Publications, New York, New York)

Албрехт Дюрер

Албрехт Дюрер (1471–1528) е несъмнено най-големият печатар в историята. Той публикува над 350 гравюри и дърворезби и завърши поне 35 маслени картини, генерирайки над 1000 предварителни рисунки и акварели в процеса.

Дюрер създаде редица широко известни и емблематични щампи, а Нюрнбергският художник е много уважаван и влиятелен сред чекмеджетата. Неговото нюансирано изобразяване на форми - никакъв лесен подвиг с твърд, непростим гравиращ инструмент - е причина толкова много чертожници да учат и да се чудят на работата му.

„Рисунката му произлиза от чувствителността на печатницата“, коментира Рубенщайн. „Той не може да зададе тон; той трябва да се излюпи. И никой не остава на формата с безмилостта на Дюрер. "

Той беше виртуозен, но може би не иновативен. „Мисля, че той е получил много от италианците“, казва Рубенщайн във връзка с посещението на художника във Венеция, за да види приятел и да изследва изкуството и идеите на Ренесансова Италия. Но талантът му не беше само в изпълнението на неговата техника. Дюрер опакова много съдържание в гравюри като Рицар, Смърт и Дявол—Включващи две фантасмагорични фигури, които очарователно все още не доминират над останалата част от композицията, но окото лесно схваща основната идея, когато не се пирува с чудно изпълнени корени и камъчета.

Открийте силата на скицирането в нашата безплатна електронна книга на уроци за рисуване на скици. Просто въведете имейла си по-долу, за да започнете да се наслаждавате на рисуване на изследвания на майстори на изкуството като тези!

[fw-capture-inline кампания = ”RCLP-потвърждение-молив-скица-рисунка” благодарение = ”Благодаря за изтеглянето!” интерес = „Art” предложение = ”/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf”]

„Отговаряте на интензивността и плътността на изображението“, заявява Рубенщайн. „Дюрер [изобразява] причудливостта на природните явления с много подробности, но въпреки това той успя да запази голямата композиция ясна и силна с всичко това. Той [знаеше], че дори в границите на дърветата, [трябваше] да се отдръпне малко, за да може напред да излезе часовникът. Той [контролира] толкова много - той е като жонглер, който има 30 топчета във въздуха. "

ресурси:

  • Пълните гравюри, офорти и сухи точки на Albrecht Dürer, от Albrecht Dürer (Публикации на Dover, Минеола, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Албрехт Дюрер и неговото наследство: Графичното произведение на художник от Ренесанса, от Джулия Бартрум (Princeton University Press, Принстън, Ню Джърси)

Питър Пол Рубенс

В стереотипа има художници, живеещи с лош, бохемски начин на живот, но Питър Пол Рубенс (1577–1640) е доказателство, че някои художници постигат огромен успех. В повечето случаи Рубенс беше уважаван, богат и щастлив художник, който също събираше антикварни предмети, отглеждаше голямо семейство и си осигури мирен договор или два, докато служи като дипломат на високо ниво. Той беше зает човек на действията и хартията никога не беше обрисувана несериозно - почти всичките му рисунки бяха предварителни проучвания за комисиите за грандиозни проекти.

Човек се удивлява още повече на уверените красиви линии на рисунките на Рубенс в светлината на знанието, че той най-сигурно ще ги счита за работни документи, неподходящи за изложение. Това, което го прави специален, е „овладяването на техниката с тебешир“, според Ейтел-Портър. „Трябваха му само няколко удара, за да предизвика не само позицията на фигурата, но и емоционалното й състояние.“

Всъщност белгийският придворен художник демонстрира невероятно удобство в своите рисунки с намек за бомба. Ръката му беше сигурна. „Рубенс използва естествено здрави, уверени марки и течащи жестове“, казва Рубенщайн, който по-специално се възхищава на рисунките на художника, направени с три цвята на креда. „Червената креда е красива, но има ограничение в обхвата си - често искате да използвате черна и бяла креда, за да я увеличите допълнително във всеки край на стойностния диапазон“, обяснява Рубенщайн. „Това е разликата между акорд и една нота - разширяване на обхвата на червената креда.“

ресурси:

  • Питър Пол Рубенс: Рисунките, от Ан-Мари С. Логан (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Питър Пол Рубенс: Докосване на блясъка, от Михаил Пиотровски, (Престел издателство, Мюнхен, Германия)

Рембранд ван Рийн

„Той беше наследник на Леонардо по това, че той винаги скицира от природата“, казва Рубенщайн във връзка с Рембранд (1606–1669). "Жестовете му бяха толкова истински и изпълнени с живот."

Ако Рубенс беше художникът на властта и кралския двор, Рембранд беше художникът на човечеството. Надарен със същата способност с линия, холандският художник и чертожник има умението да рисува много бързо и уверено да добавя прости измивания, които ефективно създават тъмни светли шарки.

Неумолимата среда на мастилото не пречеше на Рембранд да се стреми към действието на момента; гърба на робата на съпругата му се извива убедително от стълбището Жена, която носи дете надолу по стълбите, например. Майките и децата представлявали особен интерес за художника, отчасти, защото той загубил три деца в ранна детска възраст; а смъртта на жена му прекъсна щастлив брак.

„Човечността на неговите рисунки… не го усещаш толкова натрапчиво в работата на никой друг“, отбелязва Рубенщайн. „Той [изглежда] знаеше как майката [се чувстваше], какво дете [чувстваше] - какво се случва на сцената. И той [имаше] спонтанна, невероятна линия, която можеше да покаже структурата на нещо и въпреки това [имаше] свой собствен калиграфски смисъл. "

ресурси:

  • Пътешествие на Рембранд: Художник, чертожник, Etcher, от Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
  • Рисунките на Рембранд и неговата школа, кн. Аз, от Йероен Гилтайй (Темза Хъдсън, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Рисунки на Рембранд и неговата школа, кн. II, от Йероен Гилтайй (Темза Хъдсън, Ню Йорк, Ню Йорк)

Чарлз Льо Брун

С крак както в класическата, така и в барочната епоха, Чарлз Льо Брун (1619–1690) е художник, който постигна успех рано и имаше политическите умения да остане доминираща фигура във френския двор и Академията до много късно в живота.

Льо Брун беше ученик на Вует и приятел на Пусен, а композициите му бяха изградени на основни, прости маси, както в класицизма. И въпреки това фигурите му биха могли да настръхнат с енергията на бароковото изкуство, както е показано в серпентиновата форма на Study за Mucius Scaevola Преди Porsenna.

Льо Брун направи повече от всеки, за да установи хомогенен френски стил на изкуството за три десетилетия през 17 век. Той постигна това чрез политика и живопис - Льо Брун основава Френската академия в Рим и до 1660-те години всяка значителна комисионна се приема за него.

Двете рисунки, показани в този раздел, умело илюстрират как прагматично се променя стилът на Ле Брун с времето - с художествен и материален успех. „Едно изображение показва простата концепция за всички форми, много балансирана и позирана като Рафаел; а другата показва фигура, която се бори толкова силно ”, се чуди Рубенщайн.

„Дори и без указанието на трупа, който тази фигура повдига, ние чувстваме колко усилия той трябва да положи, за да издържи тази тежка категория.“ Гарантирането на Льо Брун с инструменти за рисуване беше легендарно; един мит твърди, че този син на скулптор започва да рисува в люлката.

ресурси:

  • Чарлз Льо Брун: Първият художник на крал Луи XIV, от Мишел Гаре (Хари Н. Абрамс, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Изразяване на страстите: Произходът и влиянието на конференцията на Чарлз Льо Брун на l’expression générale et particulière, от Дженифър Монтагу, (Yale University Press, Ню Хейвън, Кънектикът)

Едгар Дега

Трансформацията за чертожник от очертаване на тесни, детайлни форми до по-свободни, по-жестоки линии е честа, но тези примери показват тази еволюция в Хилер-Жермен-Едгар Дега (1834-1917) като особено естествена.

Красотата обитава и двете творби, дори ако типичният зрител може да не свързва двете творби с един художник. "Той се опитваше да фиксира фигурата в ранните си рисунки," обяснява Рубенщайн, "а в по-късните рисунки той я разкрепостява."

Музата на Дега беше балерината, а движението и движенията на танца изискваха безплатни, жестови скици. Рубенщайн посочва, че дори и в бързи скици, като напр Изучаване на танцьор в чорапогащи, Дега показва своя гений за композиция - коленете почти докосват краищата на хартията, а отрицателните форми, образувани от крайниците на танцьора, създават мощен дизайн. Красотата на спонтанната композиция предаде годините опит зад това изследване.

ресурси:

  • Дега и танцът, от Джил Девоняр и Ричард Кендъл (Хари Н. Ейбрамс, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Едгар Дегас: Животът и работата, от Денис Сътън (Rizzoli International Publications, New York, New York)

Винсент ван Гог

Освен че е прототипичен гладуващ художник, Винсент ван Гог (1853-1890) е акушерка за раждането на абстрактното изкуство, както се вижда от него Дива растителност, Като художник той е известен със своя жизнен и смел цвят, но рисковете, които пое със композицията, може би са еднакво отговорни за репутацията му. За чекмеджетата Ван Гог е важен и за неговата маркировка.

„Ван Гог разработи невероятна лексика с писалката на тръстика“, казва Рубенщайн. „Той [създаде] език с всички тези различни видове марки: точки, тирета, къдрици, дълги и къси линии. Но тъй като той беше в такъв контрол, това имаше смисъл. Той [създава] ритми. Природата няма тези марки. "

Сравнявайки Полард брези да се Дива растителност показва растежа на холандския художник от представителна към почти напълно абстрактната. Преходът е поглед в по-малка степен в портрета Зуаве, в която по-голямата част от лицето е изобразена с един вид пуантилизъм, докато специфични черти, като носа, са оформени с класически линии. „Той е много личен език, който той [измисли], коментира Рубенщайн. "Но самите знаци са хипнотизиращи."

ресурси:

  • Винсент ван Гог: Рисунките, от Колта Айвс (The Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Ван Гог: Майстор чертожник ,, от Sjraar van Heugten (Хари Н. Абрамс, Ню Йорк, Ню Йорк)

Егон Шиле

Роденият в Австрия Егон Шиле (1890–1918) беше данди, облечен в бохемски дрехи, предполагаем порнограф, решителен нарцисист и един от най-провокативните и единствени чертожници на съвременната епоха.

„В сравнение с, да речем, Рембранд, няма голям обхват“, казва Рубенщайн. - Но винаги знаеш дали нещо е Schiele. Как става това? За това си струва да помислите. "

"Всичките му преувеличения са замислени", продължава Рубенщайн. „Изкривяванията му са върху парите - вдлъбнатината на бедрото, набъбването на снопа, линия, която очевидно се сгъва. Изкривяванията се основават на много точни анатомични ориентири. Именно това ги прави толкова смущаващи. Това и фактът, че скелетът често присъства. "

Шиле бе злоупотребен с някои от неговите изрични рисунки на непълнолетни момичета, но уволнението на цялото му еротично изкуство може да е грешка. Рубенщайн посочва, че не всеки може да постигне еротиката успешно. Изкуството на Шиле е предизвикателство не само от темата му, но и от позициите на неговите поданици, скитащите линии, които вибрират с напрежение, и бурните цветове, които той използва.

„Вижте червеното до зеленото, което минава през фигурата боец, Отбелязва Рубенщайн. "Това говори за нещо неизказано."

Eitel-Porter се съгласява, „Неговото използване на неестествени цветове и неговото жестово нанасяне на боята, с видими щрихи, за да подчертае изражението, разделя Schiele.“

ресурси:

  • Egon Schiele: The Complete Works, by Jane Kallir (Хари Н. Ейбрамс, Ню Йорк, Ню Йорк)
  • Egon Schiele: Рисунки и акварели, от Джейн Калир (Темза Хъдсън, Ню Йорк, Ню Йорк)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867-1945) вижда много страдания и го изобразява с рядко съперничество. Съпругът й беше лекар за бедните в Берлин, което вероятно играеше роля в нейните социалистически симпатии.

Загубата на сина си в Първата световна война предизвика продължителна депресия. Тя загуби и внук във Втората световна война. В резултат на това сърцераздирателните й образи на майки, които плачат над починали бебета, нанасят резониращ акорд.

„И тя беше толкова голям чертожник“, казва Рубенщайн. „Kollwitz може да направи толкова много с прости форми. Тук може да има няколко мъгливи белези, обозначаващи косата; и след това - бум, ти е прикован право в това око с няколко силни линии. "

Колвиц беше преди всичко графичен художник, като обвърза работата си до голяма степен с черно-белите изображения. „Нейният смел, графичен стил отразява огромната човешка болка и страдание на онеправданите“, коментира Eitel-Porter. „Това е основата на нейния предмет. Светът, който изобразява, е забулен в сянка; рядко се въвеждат докосвания на цвят. "

Ехо Рубенщайн, „С такава простота, с такава икономия на средства, тя изрази голяма симпатия. Тя можеше да направи невероятно човешко изявление с току-що изгоряло дърво (дървени въглища) на хартия. "

ресурси:

  • Каталог на пълното графично произведение на Käthe Kollwitz, от Август Клипщайн (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Рисунки на Käthe Kollwitz, от Хърбърт Битнер (Томас Йоселоф, Ню Йорк, Ню Йорк)

* Статии от Боб Бар

***

За повече съвети за рисуване, инструкции, експертен поглед и вдъхновение, разгледайте предишни проблеми наРисуванесписание.


Гледай видеото: Week 10 (Юли 2021).